Das Elend der männlich dominierten Musik in der Gegenwart

Ich höre seit Jahrzehnten Musik. Pop- und Rockmusik haben mein Leben gerettet. Und das immer wieder mit alten, mit neuen Sounds. Seit mindestens 20 Jahren wird mein Leben auch durch Jazz und seit zehn Jahren von Folk gerettet. Ich habe inzwischen meine Sucht nach Tonträgerkäufen einigermassen im Griff, und überhaupt ziehe ich mir heute lieber eine Runde mp3’s.

Wer jetzt mit „ABER DER KLANG DER MUSIK“ kommt, den frage ich: Na, wo ist denn Ihr perfekter Hörraum? Ich habe keinen, nie gehabt und meine inzwischen nahe der Midlife Crisis gealterten Lautsprechertürme müssten tatsächlich irgendwann mal eingemottet werden und durch kleine Soundwürfel, die niemanden erschlagen, wenn sie ins Wanken geraten, ersetzt werden. Was soll’s, noch kommen Töne raus, also weiter.

Da ich ein Statistiken liebendes Nerdgirl bin, habe ich inzwischen auch seit Jahrzehnten Listen darüber geführt, wie gut/schlecht Musik in meinen Ohren klingt. Das ist gelebte Subjektivität, die aber einen Wandel abbildet: Seit Beginn der 2010er brauche ich fast eine Männerquote, damit dieses Geschlecht noch stattfindet. Nuje, ich finde das jetzt nicht wirklich schlimm und wenn ich mir meine Lieblingsplatten dieses 2020er Jahrgangs bislang ansehe, dann sind da Dua Lipa, Lyra Pramuk und der Birds-Of-Prey-Soundtrack! Der erste Mann, der irgendwann auftaucht, ist der Jazz-Schlagzeuger Makaya McCraven, der mit „We’re New Again“, die gerade zehn Jahre alt gewordene, letzte Platte des sagenhaften und leider 2011 verstorbenen Gil Scott-Heron („I’m New Here“ der Titel jener LP) neu „Reimagined“, wie es im Untertitel so schön heißt. Eine tolle Platte. Aber die zuvor erwähnten Namen munden mir noch besser. Fein.

Nun dachte ich mir, könnte ich mal meiner Arbeit Früchte pflücken und schauen, was sind die 35 All-Time-Best-Male Platten… männlicher Solist, hauptsächlich männliche Band als Eintrittskarten und dann mal schauen, warum da heute, 2020, bzw. in den letzten zehn Jahren nichts mehr läuft. Oder vielleicht lief ja was und diese Künstler gehörten zur gefährdeten, aber noch nicht ausgestorbenen Spezies: Männer, die es nach 2010 noch hinbekamen. Grins.

Dann, Vorhang bitte.

  1. Can – Monster Movie (1969) + 10. Tago Mago (1971) Ja, von Can kann nichts mehr kommen. Die Band löste sich nach der Veröffentlichung ihres letzten, auch wirklich kaum brauchbaren Albums „Rite Time“ (rec. 1986/VÖ 1989) schrittweise auf. Und inzwischen sind Michael Karoli (Gitarre) und Holger Czukay (Bass) auch verstorben. Eine so rau und perfekt zwischen kunstvollem Krach, psychotischen Wiederholungsorgien und CopyCatism rausgehauenem Untergrundprodukt würde ich auch heute noch gerne ganz neu mein Ohr leihen, egal welchen Geschlechts.
  2. John Coltrane – A Love Surpreme (1965) John starb bereits im Juli 1967 an Krebs. Bis dahin hatte er uns alle möglichen Sterne vom Himmel geholt. So einen wird es sowieso nie wieder geben. Aber, was uns danach alleine seine Frau Alice bis ihrem Tod 2007 noch an grandioser, tief inspirierter Musik gab. Sollte eins auch mal draufschauen. Heißer Tip!
  3. Mike Oldfield – Ommadawn (1975) + 6. Tubular Bells (1973) Er lebt noch. Versuchte sich sogar 2017 an einer LP mit Titel „Return to Ommadawn“. Nicht ganz schlecht. Trotz allem eher der Beweis für meine These, das die Herren … naja, okay. Aufgrund gewisser Hintergründe der 1975er LP, freue ich mich eher für Herrn Oldfield als Mensch, das die alte Intensität nicht wiederkehrte, denn der Mann hatte ziemliche psychische Probleme, mit denen er in den 1970er klar kommen mußte. Vieles davon floß als Einfluß in seine Musik und machte sie – das ist meine persönliche Erfahrung – zum Anker für Menschen, in ähnlichen Situationen. Gerade „Ommadawn“ ist ein unwirtliches, abweisendes musikalisches Land, das aber zu einer schützenden Heimat werden kann, wenn eins den Eingang gefunden hat.
  4. Godspeed You! Black Emperor – Yanqui U.X.O. (2002) + 11. Lift Your Skinny Fists… (2000) Noch nicht im Metal angekommener, aber dennoch post-apokalyptisch wirkender Postrock. Mit wenig Hoffnung, aber viel Trauer, Schmerz, Wut. Musik, die auch 2020 noch immer gerne gebraucht werden könnte, wenn es da nicht die beiden Hit-Doppelalben des kanadischen Kollektivs gäbe. Deswegen interessieren mich die Post-Comeback-Platten ab 2012 auch überhaupt nicht. Vielleicht sind sie ja toll. Oder sogar überwältigend. Egal.
  5. The Decemberists – Picaresque (2005) Das schöne an Godspeed… und den Decemberists ist ja, das eins zuerst mal nachgucken muß, ob der männliche Anteil an Mitgliedern wirklich über 50% ist. Ja, sie schaffen es knapp. Die Decemberists schafften es sogar 2015 mit „What A Terrible World, What A Beautiful World“ eine richtig starke Platte zu veröffentlichen, die dem 2005er Meisterwerk fast gefährlich nahe kam: kraftvolle, melodieselige Songs mit berührenden Texten über die Menschen an den Aussenstellen des Lebens, der Gesellschaft. Und es begeistert mich auch heute noch, wenn in „The Mariner’s Revenge Song“ die beiden Todfeinde sich im Bauch eines Wales, der gerade zwei Schiffe verschlungen hat, als einzige Überlebende gegenüberstehen und der Erzähler den Schwur gegenüber der sterbenden Mutter zu singen beginnt. Also, die Decemberists sind der erste Act, der noch Hoffnung für die Zukunft birgt. Vielleicht.
  6. siehe Mike Oldfield
  7. David Bowie – Blackstar (2016) Nun, die Zukunft ist vorbei. Aber immerhin gab es im vergangenen Jahrzehnt noch diesen grandiosen, musikalischen Wurf von Herrn Bowie. Wobei er auch der erste Herr in dieser Auflistung ist, welcher nicht wirklich ohne Schrammen aus seiner Geschichte hervorgeht. Sein widerliches Verhalten gegenüber jungen Frauen in den 1970er (mann nannte sie Groupies, Band-Aids, whatever, und benutzte sie). Sein Verhältnis zum Faschismus, der 1978 – zusammen mit dem Teilzeitrassisten Eric Clapton – zur Gründung der Bewegung Rock Against Racism (vorher schon die Anti-Nazi-League) in England führte. Zu dem Zeitpunkt war Herr Bowie zwar schon wieder klar im Kopf (kokslos), doch 1976 war das anders. Stichwort: Victoria Station.
  8. Robert Wyatt – Rock Bottom (1974) Der gute Robert ist seit jeher dafür Kommunist gewesen. Vermutlich auch heute noch. Er hat jedoch inzwischen seine Karriere beendet. Sein letzter Output war 2010 „For The Ghosts Within…“, eine Zusammenarbeit mit Gilad Atzmon und Ros Stephen. Irgendwo zwischen Jazz, Hip Hop und Third Stream. Ein Highlight, auch gegenüber den vorangegangenen, sehr starken Wyatt-eigenen Alben. Doch „Rock Bottom“ knackte keines. Robert Wyatt war ein angesehener und fintenreicher Schlagzeuger zwischen Pop, Rock und Jazz, als er im Juni 1973 von einem Balkon fiel und seither querschnittsgelähmt im Rollstuhl sitzt. Die Stücke auf „Rock Bottom“ gab es teilweise bereits zuvor. Doch, aus dem Krankenhaus entlassen, nahm sich Wyatt mit Kolleg*innen dem Material neu an und heraus kam ein einzigartiger, musikalischer Strudel zwischen Emotion, Liebe, Zivilisationsmüdigkeit und verqueren Kabbeleien mit seiner ewigen Partnerin Alfreda Benge. Eine Gnade, das es diese Platte gibt.
  9. Belle And Sebastian – If You’re Feeling Sinister (1996) „Tigermilk“, im gleichen Jahr erstveröffentlicht, und diese LP sind der diskussionslose Höhepunkt der Band aus Glasgow. Und im Gegensatz zu The Smiths, bei denen Belle And Sebastian durchaus auch lernten, haben sie keinen Frontmann, der in der Gegenwart nur noch ekelerregend mit seinen Äußerungen ist. Und obwohl diese Band noch aktiv ist, erwarte ich keinen Wurf mehr, der mich noch begeistern könnte. Dazu müßte ich mir neues Material anhören, doch hat 2006 „The Life Pursuit“ mich so angewidert, als würde mich Steven P. Morrissey für ein Date anrufen. Schlußpunkte setzen kann ich. Und wer wissen will, warum „If You’re Feeling Sinister“ so grandios ist, der sollte sich schleunigst mal die Platte anhören. Und nicht immer die ganzen ideenlosen Epigonen, die unter einem sogenannten Indie-Banner danach diesen Globus bevölkerten.
  10. siehe Can
  11. siehe Godspeed You!Black Emperor
  12. Steely Dan – Countdown To Extasy (1973) + 29. Gaucho (1980) Spätestens seit Walter Beckers Tod ist Steely Dan nicht mehr existent. Zuvor auch lange schon nur noch als Altherren-Konzertcombo. Und so ist hier auch keine Zukunft mehr zu erwarten. Was auch gut ist, denn wenn ich ehrlich bin, ist Steely Dan – vor allem im textlischen Bereich – immer schon irgendwie diese „Alte-Weisse-Männer“-Band gewesen. Auch wenn die Protagonisten in den Songs auch mal jung waren, so blickten Donald Fagen und Walter Becker immer schon von dieser Warte, inclusive einer vom Jazz geborgten Distanzierung, auf die Welt und bildeten sie ab. Auf dem makellos instrumentierten und spannend erzählten „Countdown To Extasy“ ist dies noch nicht so spürbar, doch „Gaucho“ (1980) lebt schon massiv von dieser Denke. Gerade die beiden Hits der Platte „Babylon Sisters“ und „Hey Nineteen“, aber auch „Glamour Profession“ sind sicherlich Songs, die Milliarden weißer alter Männer pföffen, wenn sie sie kennen würden. Ganz unironisch.
  13. Leonard Cohen – Songs of Love And Hate (1971) + 27. Songs Of Leonard Cohen (1969) Auch Herr Cohen ist tot. Und so wird auch von ihm kein weises Wort mehr zu Liebe oder Hass zu erwarten sein. Nun. Es war auch vielmehr Erotik und Selbsthass, von dem 1971 die Rede war. Oder pure wortschöpfende Klasse: „Famous Blue Raincoat“. Posthumer Literaturnobelpreis, verdammt nochmal! Aber unter uns… Leonard Cohen war seit 1988 musikalisch alt. Seither schmückten seine Aufnahmen meistens mehr schlecht, als recht bediente Rhythmusprogramme. Und eine Betulichkeit, die auch seine zahllosen Live-Aufnahmen, in die ich meine Ohren manchmal tauchen ließ, belastete. Vielleicht war „You Want It Darker“, sein letzter Output anders? Ich weiß es nicht. Siehe Belle And Sebastian…
  14. Swans – The Seer (2012) Wow, da haben wir ja mal eine 100%-ig zu lobende Männercombo aus den 2010er. Und auch alt (die Männer) dazu, teilweise. Nun, ich habe mich über die Jahre an den Lärm- & Druckluftorgien jener Swans-Besetzung sattgehört. Und warte nach „The Glowing Man“ erst einmal nicht auf neue Produktionen (und ignoriere diese auch). Aber immerhin, haben die Band und ich uns noch nicht auseinandergelebt. Da ist noch eine Hoffnung, die glimmt.
  15. King Crimson – In The Court Of The Crimson King (1969) Ja, gibt es noch. Inzwischen sogar mit drei Schlagzeugern! Und das ist Grund, warum ich – nach zwei Live-LPs aus den Jahren 2016 und 2017 – von King Crimson 21st Century Incarnation nichts mehr wissen will. Drei Leute sitzen auf Schemeln und jeder wartet darauf, was einer der anderen eventuell machen wird. 1974 saß der feurige Bill Bruford allein hinter dem Instrument, das in dem Fall tatsächlich Schießbude genannt werden kann, und produzierte mehr Wirbel, als moderne „3“. Vielleicht sollte sich Robert Fripp mal weibliche Hilfe suchen. Okay, nicht vielleicht, sondern unbedingt. Wenn King Crimson in den ganzen Jahrzehnten mal eine Pause machten – machten sie oft – und danach wiederkamen, waren sie immer anders, neu aufregend und scherten sich einen Kehricht um ihre Historie – die sie anderweitig hegten und pflegten. Dieses letzte Comeback beschert uns tatsächlich mal Stücke in Konzerten, die seltenst bis nie live gespielt wurden – oder halt seit Urzeiten nicht mehr. Eigentlich nett, aber für King Crimson ein Todesurteil. Mal ganz davon abgesehen, daß das wenige neue Material nichts taugt.
  16. Die Regierung – Unten (1994) Die Essener Regierung kennen leider zu wenige Menschen. Selbst, als Tilman Rossmy dann nach Hamburg zog, um dort zur „Schule“ zu gehen, wurde die Bekanntheit nur marginal größer. Aus dieser Zeit stammt diese lakonische Aufarbeitung des Verhältnis zwischen den binären Geschlechtern. Ja, Tilman backte erst einmal kleine Brötchen, aber sie mundeten vorzüglich, denn niemand konnte jemals so beredet schweigen, wie er. Höret dazu „Natalie sagt“. Nach einer längeren Zeit als Solist oder mit Quartett im Rücken, hat Tilman Rossmy sogar 2017 und 2019 neue Regierungs-Erklärungen veröffentlicht. Ja, sind gut. Aber sie sind leider nicht mehr umwerfend, brennend oder genialisch hingesaut. Auch wenn diese Stücke nicht auf „Unten“ sind: „Immer jemand im Busch“ spürst du als Hörerin auch nach Jahren noch. „Loswerden“ ist das wortkargste Trennungsstück der Menschheitsgeschichte. Vielleicht schafft Tilmann Rossmy noch einmal einen solchen Quantensprung. Und dann sollten es ihm mal Milliarden Menschen danken.
  17. Arzachel – Arzachel (1969) Sorry, hier ging das Nerdy Girl mit mir durch. Zumal, wie erklärt eins diese Band, die eigentlich keine war? Beziehungsweise zwei andere Bands? Nerdzeugs, halt. Es begann mit Uriel, die aber 1969 zum Ende kamen. Sich dann in Egg umformten (1970 auch ein selbstbetiteltes, sehr gutes Debüt veröffentlichten). Bei Egg jedoch fehlte Steve Hillage als Gitarrist. Der sollte später als Solist, bzw. bei Gong ein hochklassiger Saitenkünstler werden. Zwischen Uriel und Egg kam das spätere Egg-Trio mit Hillage noch einmal zusammen und spielte als Freizeitspaß die Arzachel-LP ein. Unter Pseudonymen, z.B. Sam Lee-Uff (= Dave Stewart, Keyboards). Und es war ein Spaß! Alle Grenzen des Psychedelic Rocks wurden gesprengt und Arzachel spielten sich wahrhaftig in andere Bewußtseinszustände, ohne die heimische Landschaft rund um Canterbury, wo die Band residierte, zu vergessen. Pastorale Kosmosgesänge entstanden hier. Wir können uns so sicher sein, wie sich Canterbury seit 1969 verändert hat, daß eine solcher Sound kaum jemals mehr neu entstehen wird. Naja, gibt es ja auch schon.
  18. Dizzy Gillespie, Sonny Stitt & Sonny Rollins – Sonny Side Up (1959) They don’t play the hard bop like that anymore. Ja, das finde ich auch schade. Doch, wie im Falle von Arzachel, gibt es schon den Hard Bop, sogar nicht nur einmal, sondern in vielen Variationen, die zwischen ca. 1955 und 1964 entstanden. Und diese Platte ist ein wahrer Höhepunkt, vor allem an Spielfreude und Inspiration.
  19. Nick Cave And The Bad Seeds – No More Shall We Part (2001) Der Höhepunkt dieser Platte…. nein, es gibt gleich mehrere! Wenn in „Hallelujah“ Nick Cave im Bademantel durch die Straßen schlurft, weil seine Betreuerin sich das Wochenende mal frei genommen hat. Wenn in „Oh My Lord“ ein Fremder Nick Cave beim Friseurbesuch belästigt und seinen nackten Arsch zeigt (ich hoffe, ich habe das richtig verstanden). Wenn in „Fifteen Feet Of Pure White Snow“ genau das Koks fehlt. Wenn in „Darker With The Day“ Nick Cave und die Hörerin die Welt brennen sehen wollen, weil alles nur noch Verzweiflung ist. Dann hat der Songwriter seine Kunst bis zur Vollendung verfeinert und der tief gefühlten Worte sind es viele auf dieser Platte. Danach gelang in meiner Welt dem Herrn Cave nur noch ein Lied auf diesem hervorragenden Niveau: „O Children“. Er könnte sich, gleich dem gnädigen Robert Wyatt, mal zur Ruhe setzen.
  20. Sun Ra And His Arkestra – Sleeping Beauty (1979) Ah, schon wieder Jazz! Schön! Und genau das ist diese Platte bis zum Überquillen. Sun Ra ist eine sehr mythische Persönlichkeit (die ich hier jetzt nicht erklären werde, sonst werde ich mit dem Rest nicht mehr fertig: selber googlen!), und in den späten 1970er (auch vorzüglich: „Lanquidity (1978)) ließ er sein Arkestra einen federnden, groovigen, dennoch Tiefe erzeugenden Soul Jazz spielen, der in „Door Of Cosmos“ wie ein galaktischer Hippy Sit-In wirkt, der dann im Banne des mit großer Lust aufspielenden Arkestras langsam über die Bäume dieses polyester grün wirkenden Planeten hinausschwebt und uns Hörer*innen mit sich nimmt. Sun Ra selbst verließ den Planeten 1993.
  21. Brian Eno – Taking Tiger Mountain (By Strategy) (1974) Dear Brian, you are a problem. Was dieser sonderliche Mann bis 1995 an unglaublicher Arbeit zugunsten aller hörenden Menschen getan hat, ist mindestens so ein großes Thema, wie der Mythos von Sun Ra. Alleine diese an Ideen überquellenden vier Solo-Alben mit weitestgehender Rockmusik zwischen 1973 und 1977! Darunter „Taking Tiger Mountain“, einer LP mit sonderbar verquerem Pop, der sich jedoch schnell in das Hirn hineinfrisst. Er erfindet noch Ambient Music („Music For Airports“ (1978) brachte mich an einem schlimmen Sonntag Abend einst zum heulen). Er half anderen Künstler*innen als Produzent, Mitmusiker oder anders: Bowie in Berlin, Talking Heads, U2 als die größten Nummern, damit wir Werte an der Y-Achse stehen haben. Dann ist nach 1995 Schluß und Ideen kommen keine mehr, sondern nur noch schlechte Wiederholungen und überhaupt… Eno unterstützt den BDS (Boycott, Divestment & Sanctions gegen Israel). Schlußstrich.
  22. David Sylvian – Secrets Of The Beehive (1987) undefinedGut, das sich David Sylvian nie vor einen politischen Karren spannen ließ, sondern einfach immer nur schön war! Und tolle Musik machte, nebenbei 🙂 Ja, „Secrets Of The Beehive“ ist die schönste 80er-Jahre Songwriter-LP mit Jazz-Einflüssen, mit Ruhe, mit Texten, die allerdings den politischen Aspekt des privaten Handelns nicht ignorieren („The Boy With The Gun“). Oder homoerotisches Liedgut, wie „Forbidden Colours“, das ursprünglich für den Film „Furyo – Merry Christmas, Mr. Lawrence“ (1983) geschrieben wurde. Oder die Gewalt in einer Beziehung, wie in „When The Poets Dreamed Of Angels“. Es wundert nicht, das Sylvian, der immer progressiv dachte, sich im 21. Jahrhundert in die freie Musik aufmachte und dort auch noch ein sehr starkes Album schuf: „Blemish“ (2003). Doch danach verstummte er langsam, aber sicher.
  23. Morrissey – Your Arsenal (1992) undefinedVerstummen wäre für Morrissey mal eine Idee. Oder auch: „Fresse halten, Steven!“ Nach 2004 wird er unaufhörlich unerträglicher. Das es mal anders war, kann eins inzwischen fast nicht mehr glauben und tatsächlich birgt diese Platzierung auch ein hohes Maß an Nostalgie, als er noch ein Held für die Menschen an den Außenrändern war. Und auf „Your Arsenal“ war er ein lauter Held, einer der sich alleine gegen eine Horde an Feinden stellte. Mit einem Stolz auf die eigene Befremdlichkeit und Verletzlichkeit in der Welt. Einer, der trotz aller Feindseligkeit, die er empfing, an ein gutes Morgen glaubte und das als Grundton in der Musik letztlich einwob. Ja, damals. Heute: „Fresse halten, Steven!“.
  24. Galaxie 500 – Today (1988) undefinedAndere sagen „On Fire“ wäre die Top-LP von Galaxie 500, aber ich hänge am Debüt „Today“, vor allem wegen des Einsteigers „Flowers“. Doch ist „On Fire“ auch feinste Musik. Aber dort finden sich auch nicht die ersten zwei 3/4 Minuten von „Don’t Let Our Youth Go To Waste“ (Cover von Jonathan Richman), in denen das furchtlos spielende Trio suchend durch das Gestrüpp des 80er Alternative/Indie-Rock durchbricht… das wichtige Wort in diesem Satz ist „Furchtlos“. Halten Sie das im Hinterkopf. Galaxie 500 sind des weiteren auch furchtlose Romantiker! Und auch furchtlose Liebhaber des dritten Velvet-Underground-Albums, die anstelle eigener Songs lieber eine Endlosversion von „Pale Blue Eyes“ spielen würden. Das wäre auch schön! Aber ich genieße lieber ihre gelungenen Variationen, wenn sie so herrlich frühlingshaft und süchtigmachen verliebt klingen, wie eben „Flowers“. Das ist Lebenskraft, die darinnen wohnt. Ungünstig für unsere Gegenwart ist, das sich Galaxie 500 schon nach der dritten Platte trennten. 2/3 der Band, sprich die Bassistin Naomi Yang und Schlagzeuger Damon Krukowski gründeten ihr eigenes Duo und verschwanden im Untergrund. Dean Wareham gründete etliche andere Bands, die auch mal gute Platten machten, aber so stark wurden alle drei nimmer mehr.
  25. Genesis – Foxtrot (1972) + 28. The Lamb Lies Down On Broadway (1974) undefined Uiuiui! Gefährliches Terrain! Progressive Rock! Die Höhle der Nerds! 20-Minuten-Songs! Ja. Und er ist hervorragend. Und Phil Collins ist ein herausragender Schlagzeuger. Und Peter Gabriel schrieb skurrile Szenarien, die allerlei Literatur anzapften und die Band klopfte Filme daraus, mal kürzer, mal länger. Das ist fucking Kunst! Wie es später die Art Punks von Wire machten: when the lyrics ran out, the song stopped. Aber Hauptsache, Menschen haben aus Grundsätzen heraus Angst, sich dieser Musik zu stellen, weil irgendwer mal sagte: Prog-Rock ist uncool. Und nur für Nerds. Fickt Euch! Genesis gibt es ja eh nicht mehr, und grundsätzlich starb die Band 1975 mit Peter Gabriels Ausstieg. Der Rest war kassenklingelnder Pop. Wer’s braucht.
  26. siehe Leonard Cohen
  27. Nick Drake – Five Leaves Left (1969) undefined Vor Nick Drakes neuen Veröffentlichungen braucht niemensch Angst zu haben. Er schied im November 1974 freiwillig aus diesem Leben, hinterließ drei Platten, von denen zwei magische Erfahrungen sind. Das dritte ist leider nur brilliant. Er setzte neue Akzente in der Bildsprache des Folk, in dessen Bereich er sich weitestgehend bewegte, wobei ihm von Außen gerne noch ein wenig erweiterte Instrumentierung mitgegeben wurde, die er erst auf seinem Schwanengesang „Pink Moon“ (1972) eliminierte. Doch lebt „Five Leaves Left“ gerne mit dem schmückenden Beiwerk, denn hier umgreift Drake noch ein mögliches Leben, das vor Depression, ausuferndem Drogenkonsum möglich scheint. Manche Stücke lassen sogar romantische Gefühle erahnen. „Pink Moon“ erzählt von der Entfremdung, Distanzierung, Verlust. „Five Leaves Left“ aber pflanzt noch einen Obstbaum. Ichhoffe, Nick Drake hat seinen Frieden gefunden.
  28. siehe Genesis
  29. siehe Steely Dan
  30. The Driftwood Manor – Of The Storm (2013) undefined Ich hoffe nicht, das Eddie Keenan der Nick Drake der Gegenwart wird. Immerhin ist Keenan eher auf Bühnen zu finden, als es der superscheue Drake in seiner Karriere war. Und der Output der Band Driftwood Manor ist bereits etwas größer, doch leider stockt es seit 2016 „For The Moon“ erschien. Wobei ich noch eher verstehen könnte, wenn es nach dem zuvor geschaffenen „Of The Storm“ nicht mehr weitergegangen wäre, denn die Meisterschaft, wie Eddie Keenan hier die Worte der Geschichten, der Emotionsszenarien sich zueinander gesellen läßt, ist größte Könnerschaft. Alleine diese Aufzählung von Songtiteln dieses herausragenden Albums sollte einiges zeigen: „Tell Your Troubles To A Stone (And Then Throw That Stone In A River)“, „God Knows I’m a Sinner For You Now“ und „If I Could Kill The Demon Drink“. Ja, Keenan ist Nick Drake nicht ganz unähnlich, da beide von einer sehr pessimistischen Weltsicht her kommen und überhaupt der Tod nicht der schlimmste Zeitgenosse ist. Da gibt es immer noch das viel schrecklichere Selbst. Ja, von Eddie Keenan würde ich gerne noch ein weiteres Häppchen nehmen.
  31. Coil – The Remote Viewer (2002) undefined Coil sind leider auch Geschichte. John Balance verlor diese und stürzte 2004 zu Tode. Bandmitgründer Peter Christopherson starb 2010. In den letzten Jahren mit der Formation Coil erarbeiteten sie einen selbst als „Mond-Musik“ bezeichneten Sound, der zwischen industriellem Soundaufbau und John Balances süchtig machender, warm, wie weichen Stimme einen teilweise fast schamanenhaften, rituell wirkenden Output schuf. Das galt sehr stark für „The Remote Viewer“, auf welchem diese nach Balances Stimme dürstende Hörerin zwar auf diese verzichten mußte, doch nach dem Genuß der kompletten fünf Stücke (also unbedingt auf die Bonus-CD achten!) denkt eins sich nur noch eines: FUUUUUUCCCCCKKKKK! Und wer mehr Hurdy-Gurdy oder Drehleier braucht, als es hier geboten wird, ist süchtig. Das kann diese Musik auch erwirken.
  32. Jeff Buckley- Grace (1994) undefined Was ist hier für ein Totentanz! Es ist erschreckend. Aber ich kann nichts dafür. Als ich Jeff Buckleys Musik entdeckte, war er noch alive and well and living in whatever, New York? Und sicherlich würde er auch heute noch manch schönes Liedchen schreiben, wenn es ihn nicht im Übermut zum Schwimmen getrieben hätte. Ja, sein Tod war eher überbordender Lebenslust geschuldet, wie es scheint. So kann es einem gehen, wenn eins seine Dämonen, seine Leiden, seine dunklen Träume in Musik verpackt und sich damit therapieren kann. So klingt nämlich „Grace“. Wie ein in fruchtiger Rockmusik und sehnigen Balladen verkleideter Exorzismus. Und – um das direkt hinterherzuschieben – damit war die Therapie wohl auch erfolgreich, denn das, was dem arglosen Volk später als musikalische Hinterlassenschaft verschachert wurde („Sketches For My Sweetheart The Drunk“) ist doch arg leblos dahingerockt. Dann eher nach einer der zahllosen Live-Aufnahmen greifen, z.B. „Live à L’Olympia“, bei der Jeff Buckley auch ein wenig Humor beweist, der sogar nicht ganz blöd ist. Ja, er lebte gerne.
  33. Ash Ra Tempel – Ash Ra Tempel (1971) undefined Schon wieder Krautrock. Ja, es reicht nicht mit Can. Manuel Göttsching lebt auch noch und hat sicher auch manchmal noch eine Idee für neues Material. Doch ist er schon in den 1970er in eine elektronische Gegend verschwunden, in der seine Gitarre meist wenig benutzt wird. Auf dem gerne als Meilenstein bezeichneten „E2-E4“ (1984) ist das nicht nur okay, sondern die Gitarre erscheint innerhalb dieser 59 Minuten langen Prä-Techno/House-Arbeit im letzten Drittel und formt ein hübsches Sahnerl mit Kirsche. Das war zu Beginn anders. Da wurden Grenzen ausgelotet. Die beiden Titel des Ash Ra Tempel-Debüts hießen: „Amboss“ und „Traummaschine“. Beide waren eine LP-Seite lang. „Amboss“ freakrockte nach einem längeren, gedehnt gespielten Intro, was das Zeug hielt. Ja, wenn der spätere Synth-Pionier Klaus Schulze am Schlagzeug loslegt. Dann wird auch „Amboss“ zur körperlichen Angelegenheit, denn dieses Power Trio (Göttsching, Schulze & Hartmut Enke am Bass) spielt einen Sound, der fordert und vermutlich sogar erhöhten Kalorienverbrauch mit sich bringt. Die letzten Minuten sind ein Schlußspurt in the most true sense! „Traummaschine“ ist natürlich ein ganz anderes Spiel. In seiner Atmosphäre zunächst ähnlich dem noch beatlosen Beginn von „Amboss“ nimmt dieses Stück die Hörerin an der Hand und leitet sie langsam, mit Gemach, in einen klanglich sehr unterbewußt tanzenden Kellerclub. Ambient ist es überhaupt nicht und Sigmund Freud wäre erstaunt, ob der wilden Assoziationen, die sich durch diese Maschine wecken lassen. Wer mehr davon will: „Join Inn“ (1973)!
  34. Flowerpornoes – Ich & Ich (1996) undefined Oh, Tom Liwa. Der Kopf der Flowerpornoes. Damals wortgewandter Künstler, der ein Leben abbilden konnte, das unendliche Prallheit vorzeigen konnte. Der, wie kaum eine andere Künstlerperson, Pophits eindeutschen konnte: Auf „Mamas Pfirsische“ (1993) das „REM-Cover“, ursprünglich mal „Losing My Religion“, vorzüglich! Hier „Sweet Thing“ aus der Feder von Van Morrison. Und wer dieses Stück covert, ist sowieso nah dem Heiligenstatus. Und Tom Liwa läßt dieses Stück juveniler Emotionsexplosion, welche dem Sänger die Luft zu rauben scheint, strahlen: „Ich werde niemals, niemals wieder so alt werden, ich schwörs!“ Oh, küss mich, Tom. Lass mich deine Partnerperson in „Noch nicht müde genug“ sein. Ach, der Platz ist ja schon belegt, schade. Na, mir bleibt die Kunst, um mich daran zu ergötzen. Und zu den früheren Flowerpornoes-LPs gab es nach dieser dann noch einige Hände voller Liwa-Solo-Scheiben (wovon die Akustik-Platte „Voeding“ die wunderbarste ist). Inzwischen hat Tom Liwa auch die Flowerpornoes wieder ins Rennen geschickt. Aber, entweder bin ich zu alt geworden, was ich niemals, niemals wieder werden wollte! Oder Tom hat an Qualität auf der langen Bahn doch eingebüßt.
  35. Peter Gabriel – Peter Gabriel III (1980) undefined Ich mag den Hitkomponisten Gabriel nicht besonders. „Don’t give up“, ja. Den Rest nach 1986 empfinde ich als so geil, wie seine alte Band Genesis auch, also großer Schwamm drüber. Und heute engagiert sich Gabriel auch für den BDS, siehe Brian Eno. Immerhin zeigte mir Peter Gabriel 2010, das Paul Simons Song „The Boy In The Bubble“ eine ganz großartige Geschichte beinhaltet, wenn das südafrikanische Rhythmusgebimmel die Worte nicht mehr übertüncht. Und das Dr. Gregory House sehr effektvoll zu einem Arcade Fire-Song, gesungen von Peter Gabriel, von einem Balkon in einen Pool fällt („My Body Is A Cage“). Das war gut. 1980 war allerdings besser. Viel besser. Wie sich in „Family Snapshot“ der kleine, von den Eltern vernachlässigte Junge, der hinter der Haustür hockt, und der versteckte Sniper, der auf sein Opfer wartet, überblenden, das tut etwas mit dir, wenn du es hörst. Es läßt so wenig kalt, wie die klaustrophobische Angst, die Gabriel im passend „Intruder“ betitelten Einsteiger aufkommen läßt. Wenn niemensch weiß, wo der Eindringling sich befindet. Und dann war da noch der Künstler Gabriel, der Aufmerksamkeit schafft, denn ich weiß nicht, wie viele Menschen ohne ihn vom Schicksal des südafrikanischen Bürgerrechtlers Stephen Biko erfahren hätten. Vor dem Internet brauchte eins diese Form von Informationsfluss. Trotzdem würde ich mich heute freuen, wenn Peter Gabriel und die anderen BDSler eine Form der Kritik finden könnten, die nicht purer Antisemitismus wäre. Im Falle der Kritik an der südafrikanischen Apartheid-Politik konnten sie doch auch noch einigermassen differenzieren. Arschlöcher!

So. Schluß hier. Wir haben erfahren, daß es Hoffnung via The Decemberists und The Driftwood Manor gibt. Und wer heute gute Männermusik hören will, der kann sich ja mal (ich denke, die meisten Menschen, welche bis hierher gelesen haben, sind der deutschen Sprache mächtig) mit ein paar musikalischen Happen beschäftigen: Die Nerven, zum Beispiel. Car Seat Headrest, auch wenn ich vor dem ganz aktuellen Album eher warnen möchte, denn zu viele neue Ideen sind manches mal zu viele neue Ideen. The Comet Is Coming und Kamasi Washington, denn auch in der Gegenwart wird guter Jazz geboten! Isolation Berlin und Mount Eerie. Ezra Furman und Nils Frahm. Tyler The Creator und Ben Howard. Sam Fender und Helado Negro. Ich denke, das reicht mal als Denk- und Höranstoß. Die alte Riege ist tot. Tatsächlich. Die anderen sind aus gutem Grund nicht mehr tragbar.

Oder Ihr seid vernünftig und hört einfach mal mehr Frauenmusik.

Call Me By Your Name – eine Hand voller Gedanken

Warum hat mich dieser Film so berührt? Warum ist mir die Geschichte von Elio und Oliver so nahe gegangen? Elio ist 17, Oliver ist 24, die Geschichte spielt 1983 in Italien, in einem höheren, priviligierten, akademischen Umfeld.

Der Film spielt im Sommer. Er ist sonnendurchflutet. Es steht ein Klavier in der Villa, in der Elios Familie den Sommer verbringt. Oliver ist akademischer Mitarbeiter von Elios Vater, und wird daher einige Zeit lang mit der Familie leben. In den ersten zwanzig Minuten des Filmes verspürt Elio jedoch eine massive Abneigung gegen den von ihm so empfundenen Eindringling. Er verspürt von dessen Seite eine Arroganz. Jedoch ist in dieser Zeitspanne des Filmes auch ein anderes Mittel eingeführt, das den Film in seiner kompletten Länge erheben wird: Zeit. Das Empfinden und Darstellen von Zeit, des Vergehens von Zeit.

Es gehört eine große Portion Mut dazu, die erlebte Geschwindigkeit eines Filmes derart zu verlangsamen, da gerade die sogenannten Hollywood-Blockbuster der vergangenen zwei Jahrzehnte eben auf dieser Spielwiese das Rädchen immer weiter in höhere Dimensionen drehten. „Call Me By Your Name“ ist da anders. Fast schon, wie im Rahmen einer Theateraufführung, malt die Kamera Stilleben, in denen sich vielleicht Menschen befinden und gar bewegen, möglicherweise sogar sprechen, oder auch nicht. Oder Oliver geht durch die Eingangshalle der Villa. Es erinnert an eine Studie der Anatomie der Person. Wir können die Figur in solchen Momenten erfahren, aufnehmen (selbst Tage später werden wir uns noch an die Farbe und den Schnitt der Hose erinnern). Und das zieht sich durch die ganze Länge, in der auch selten der Film einen Dialog abbricht, sondern die Figuren selbst. Aus ihrem eigenen Antrieb, nicht weil das Drehbuch auf die Uhr schaut. Auch gehört zum Faktor der Zeit die besondere Vorliebe der Kameraführung ganze Räume aufzunehmen, dazu gehören das Wohnzimmer der Villa, Marktplätze, die Sportwiese oder das Café, in dem Oliver bereits nach wenigen Tagen schnell Kontakte hergestellt hat. Diese Orte erhalten ein Leben, sind nicht mehr nur Kulissen. Und als Zuschauer*in fragt eins sich, warum Elio in dieser Umgebung nur Bücher liest oder Musik auf Notenblätter überträgt? Da seine räumliche Umgebung mit einer immensen Kraft belehnt ist, was übrigens nicht nur aus der Farbgebung zu erklären ist, sondern wahrlich zur Hauptsache aus den überragen Kameraperspektiven entsteht.

Ja, aber Elio und Oliver haben auch ihre charakterlichen Schwächen und damit meine ich nicht Elios Sommerbeschäftigung, die eben ein Punkt ist, den er mit sich selbst ausmachen muß. Sein Verhalten gegenüber seiner weiblichen Sommerliebelei Marzia ist widerlich. Nicht, das andere Menschen (ich schaue in den Spiegel) solches Verhalten nicht kennen würden, aber das ändert nichts daran, das es falsch ist. Das weiß das Spiegelbild auch. Eins wühlt auch nicht in den Kleidungsstücken eines Gastes, pinkelt nicht im Stehen, ist generell freundlicher gegenüber den Angestellten der Familie. Elio ist oft – um es auf englisch zu schreiben – „a spoiled brat“ in vielerlei Hinsicht. Und doch ist es nachvollziehbar, das ihn – und das macht der Film klar – seine Eltern lieben. Denn irgendwie ist er, trotz der angesprochenen Schwächen, ein liebenswürdiger junger Mensch.

Das gleiche gilt durchaus für Oliver, der seinerseits oft eine gewisse Übergriffigkeit mit sich führt. Oder ist es überzogene Offenheit? So wird er es vermutlich nennen, andere empfinden es negativer. Wir kennen diese Diskrepanz. Oliver wirkt über weite Strecken als Mensch, der nicht gut auf andere Menschen eingehen kann. Auf sie zugehen ja, sie und ihre unausgesprochenen Zeichen deuten nein. Elios Vater ist darin meisterlich, wie sich gegen Ende des Films zeigen wird, als er Elio dessen Situation in sehr warmen Worten erklärt und ihm damit klar macht, etwas wertvolles erlebt zu haben. Es ist einer der Höhepunkte. Auch ist es ziemlich negativ, das Oliver Elio nichts von der Beziehung erzählt, die er in New England pflegt. Auch wenn wir später erfahren, das es schwierige Phasen in dieser Beziehung gab… he should have told him! He should have opened up about this!

Vor allem nachdem Elio Oliver seinen Lieblingsplatz zeigte. Wir Zuschauer*innen spüren, was dies für Elio bedeutet. Wir spüren, das hier der Zeitpunkt kommt, an dem die beiden sich gegenüber einander öffnen. Und von dieser Situation aus, und dem was noch kommt, sind die Tränen Elios am Ende des Films nur zu gut nachzuvollziehen. Die Operation am offenen Herzen ist gescheitert. Und solche Situationen sind auch in fortgeschrittenem Alter nicht einfacher zu verarbeiten.

Der Film spielt im Jahr 1983. Die Kommunikation in jener Zeit war auf wenige Kanäle reduziert. Wenn das Telefon nicht klingelte, klingelte es gar nicht. Die Zeiträume zwischen Geschehnissen wirkten weitergefaßt. Es war nicht besser. Die Ruhe, die davon ausgehen mag, ist eine nervöse Ruhe. Elios Verhalten, gerade nachdem er mit Oliver zusammen gekommen ist, zeugt davon. Zeigt sich in der „Pfirsich-Szene“. Hier sind Drehbuch und Regie zu rühmen, denn viele andere hätten aus dieser Aktion eine Peinlichkeit oder einen Gag inszeniert. Hier nicht. Selbst das spätere Verhalten von Oliver ist fast liebenswürdig.

Es bleibt mir noch die musikalische Auswahl zu rühmen. Sufjan Stevens mit Musik aus der Gegenwart, einige kontemporäre Hits von 1982/1983 und teilweise überirdische schöne Klavierstücke (ich habe eh eine Schwäche für Klaviermusik des 20. Jahrhunderts, entschuldigt mich). Und über allem schwebt das wunderbar die Homosexualität rühmende „Love My Way“ von den Psychedelic Furs. Kein Wunder, das Oliver zweimal im Film auf diesen Song abtanzt, als gäbe es kein Morgen.

Es lohnt sich, diesen Film mit offenem Herz zu schauen. Eins wird nicht so tief verletzt, wie Elio, aber ähnlich tief berührt.

Tweet <3 #1

Gestern antwortete ich auf einen Tweet, und letztlich überkam mich der Gedanke, diesen kleinen Thread hier festzuhalten. Weil… einfach so, ich mochte es halt.

Danke an den wunderbaren Twitter-User Stefan Urbach (@herrurbach), der mit folgendem Tweet meinen Lauf startete (besuchen Sie bitte den Ach Je-Verlag):

Welchen Song würdet ihr heiraten wenn ihr könntet? Warum?

Folgend nun meine Lebens- und Liebesgeschichte, die ich gegenüber den Originaltweets um das ein oder andere Wort ergänzte (hier besteht keine Zeichengrenze).

Ich wäre die Witwe von Atmosphere von Joy Division, weil ich mich schon in jungen Jahren in seine traurigen Augen verliebt habe, seine zärtlichen Berührungen, seine wunderschönen Worte.

Später lernte ich Refuse from a Silver Phial (Gene Clark) kennen, der mich mit seiner schwelgerischen Art umwarb und für sich gewann. Ich ließ seinen Namen auf meinen linken Unterarm tätowieren. Wir waren glücklich, bis er gerade erst im mittleren Alter angekommen, starb. Seine wild umarmende Art hatte ihn ausgezehrt.

Nach einer weiteren Trauerphase schloß ich mich Song for Sharon (Joni Mitchell) an, mit der ich gefühlt ziellos durch die Vereinigten Staaten tingelte. Mit uns wurde es nie langweilig und der Sex war großartig, diese Schönheit von Motelnächten. Eines Morgens wachte ich allein auf, ihre letzten Worte hatte ich leider schon vergessen, doch ihre Geschichten nie.

Inzwischen doch ziemlich gealtert, wünschte ich mir eine letzte, wirklich feste Beziehung und in einer Gruppentherapie traf ich auf From The Morning (Nick Drake). Es wurde ein stürmischer Emotionswirbel zwischen uns, den wir gemeinsam beendeten, als er das Fahrzeug über die Klippe lenkte. Im Schritttempo.

Zu unserem gemeinsamen Begräbnis erklang Solveigs Lied aus Peer Gynt.

Nick Drake – eine Erinnerung

TW mental issues, depression

Am 25.11.2019 jährt sich Nick Drakes Todesnacht zum 45. Mal.

Wahrscheinlich wird es eher in den frühen Morgenstunden jenes Tages gewesen sein, nachdem er die Tabletten zu sich genommen hatte. Ja, es war weder ihm, noch seinen Eltern, bei denen er inzwischen wieder wohnte, klar, wie gefährlich das Antidepressivum war. Es war ein Amitriptylin-Präparat.

Ich möchte mit diesem Text an ihn erinnern, und auch darüber schreiben, warum er nicht vergessen werden sollte.

Vor ungefähr zwanzig Jahren, zur Jahrtausendwende, ereignete sich tatsächlich ein kleiner Nick-Drake-Boom. Die Jahre, in denen sein Name immer wieder von Kennern erwähnt wurde, die ersten CD-Re-Releases, das beginnende Internet, das in Mailinglists und ersten Foren Menschen zusammenbrachte, entzündete diese Flamme, die dann tatsächlich noch von einem – tatsächlich fast gelungenen – VW-Werbespot in die Höhe getrieben wurde.

Doch geriet die Renaissance einige Jahre später wieder zur stillen und vereinsamten Verehrung. Was jedoch auch viel eher der Idealfall ist, um sich auf Drakes Musik einzulassen (fast könnte eins geneigt sein, zu glauben, Kopfhörer seien nur für diese Musik geschaffen worden). Selbst ein lebender Nick Drake hätte sich auch weiterhin eher vor Konzerten gedrückt, das Publikum mit langem Saitenstimmen verärgert, mit Nichtkommunikation gestraft. Die Magie seiner Musik liegt in den Aufnahmen seiner Lieder und deren Menge ist leider überschaubar. Doch ist die Kraft nicht zu ermessen und sie schwindet auch nach Jahrzehnten nicht.

Nur zu einem kleinen Überblick sei gesagt, daß vier Tonträger hier zu beachten sind: Das Debütalbum „Five Leaves Left“, das 1969 veröffentlicht wurde und Nick Drakes Songwriting oft hochklassig zwischen Folkballade, Streicherarrangements und Liedkunst zeigte. Es folgte 1970 „Bryter Layter“, das die Mischung des Debüts in eine fast easy-listening-mässige Schmissigkeit bewegte, die jedoch von Drakes Texten und seiner melancholischen Stimme konterkariert wurde. Das letzte Album, das Nick Drake zu Lebzeiten veröffentlichte wurde „Pink Moon“ (1972). Ein minimalistischer Meilenstein, wäre da nicht die spürbare Belastung des Künstlers, in der Entstehung der Lieder.

1979 wurde posthum das Album „Time Of No Reply“ veröffentlicht, das unbekannte Aufnahmen zusammenfasste, darunter die letzten vier Aufnahmen aus dem Frühjahr 1974.

Das Epizentrum von Nick Drakes Musik ist „Pink Moon“. 28 Minuten und 36 Sekunden dauert dieses Album, doch ist die Länge eher in Herzschlag zu messen. Nick Drake reduzierte die Musik auf seine Gitarre, seine Stimme. Im Titelsong erklingt kurz ein Klavier. Über allem schwebt die Dunkelheit, in welcher die Aufnahmen auch gemacht wurden. Zum Ende erklingt das Lied „From The Morning“ und es bricht mir das Herz, dieses Lied hören … zu können, zu dürfen, zu müssen. Die fast schon erleichterten Akkorde, die den Text untermalen, welcher die Dämmerung begrüßt, die Schönheit des Geschehens beschreibt und in einer Art Refrain schließt, das wir das Spiel aufgreifen sollen, das uns der Morgen lehrte.

Und weiter heißt es:

and now we rise

and we are everywhere

and now we rise

from the ground

see, she flies, she is everywhere

see, she flies all around

so look see the sights

the endless summer nights

go play the game, that you learned from the morning

Und damit schließt das Album, das zuvor eine Schwere in Musik einführte, die – auch ohne die Umstände zu kennen, in denen Drake seinerzeit lebte – klar machten, das der Künstler unter Depressionen oder ähnlichen schweren Belastungen litt. Den stärksten Eindruck hierbei macht das instrumentale, 83 Sekunden dauernde „Horn“, dem ich die folgenden Worte widme:

„Nick Drake lebt. Seine Finger leben. Sie bewegen sich. Doch ist ihnen starr. Sie rutschen, von ungewollten Impulsen getrieben, eher verdrossen auf diesen dünnen Saiten nach oben, nach unten, etwas zur Seite. Sie möchten sich lieber abwenden, oder sich verkrampfen. Alternativ auch einfach erschlaffen. Ihnen ist selten danach, sich zur Faust zu ballen, sich dann auf einen Gegenstand fallen zu lassen, um diesen zu treffen, einen Eindruck zu hinterlassen. Sie möchten nur noch existieren, nicht mehr. Eher weniger.“

Der Moment, als der letzte Ton von „Horn“ erklingen soll, jener Ton, der die aufgebaute Spannung auflösen soll, der jedoch eher als Ahnung in der Akustik steht und die Stille sich knapp ausbreitet und folgend die Akkorde von „Things Behind The Sun“ erklingen, die einerseits so flott daherklingen, jedoch so schicksalschwer beladen sind in ihrer Molligkeit. In diesem Moment werden Menschen Tränen vergießen.

and the people around your head

who say everything’s been said

and the movement in your brain

sends you out into the rain

Wieso schreibe ich über diese Musik? Sie spricht so intensiv für sich selbst. Sie belebt das Unsagbare in unseren Köpfen und sie weiß, das wir allein sind. Selbst wenn Nick Drake sich mit der Dosierung des Amitriptylins anders verhalten hätte, die Musik war bereits unter uns und wartete darauf, uns die Hand zu reichen.

Ihr wißt, was ihr zu tun habt. Oder eben nicht. Ende.

Bigmouth shuts it up!

Das ist ein persönlicher Text. Eine Abrechnung mit einem Menschen, den ich einstmals angehimmelt habe. Jetzt aber ist es aus. Und das ging so (take your time, it’s a long way):

Im Sommer 1992 war ich auf einem kleinen Flohmarkt unterwegs. Einer der Stände hatte ein paar LPs auf dem Boden liegen. Darunter eine jugoslawische Pressung der Smiths-LP „The Queen Is Dead“. Das Cover von Feuchtigkeit schon halb zerschlissen, die Platte mit übermässigen Hairlines gesegnet, aber nur 3 Mark. Gekauft.

Und verkauft war meine Seele, denn die verlor ich darauf an eine Band, die schon vier Jahre nicht mehr existierte und von der damals schon klar war, daß sie nie wiederkehren würde. Zu sehr hatten sich die Mitglieder untereinander zerstritten. Also hielt ich mich an das einzige Mitglied, das zu dem Zeitpunkt valide, neue Musik machte: Morrissey, den Sänger, Texter, Planer der Optik.

Doch noch einen Blick zurück auf den Flohmarkt-Kauf. „The Queen Is Dead“ ist vielleicht die bemerkenswerteste LP, die in den 1980er veröffentlicht wurde (und wer sucht, findet in der Musik jenes Jahrzehnts viele rasend gute Platten), doch sie war auch ein erstes Warnsignal.

Auf der Habenseite stand die Musik einer Band, die inzwischen zu einer schlagkräftigen Einheit gewachsen war, was sich alleine in den ersten Momenten, in denen eins die LP laufen ließ zeigte, nämlich wenn der Titelsong wirklich startete (zunächst läuft eine – äh – alte Aufnahme von „Take Me Back To Dear Old Blighty“, whatever. Irgendwann bemerkt eins dieses Teil nicht mehr), und mit Macht jeden Raum füllt. Morrissey entert Windsor Castle und macht keine Gefangenen. Das ist bemerkenswertes Songwriting, das durch das militärisch präzise Schlagzeug von Mike Joyce getragen wird. Dazu die Gitarrenkaskaden von Johnny Marr, die alle möglichen Frequenzen mit Emotionen füllt. Doch darüber thront Morrissey, der uns einen Holden Caulfield für die Neuzeit gibt: „Her very Lowness with her head in a sling, I’m truly sorry, but it sounds like a wonderful thing“. Da waren ja die Sex Pistols in „God Save The Queen“ noch zivil, welche die Königin nur mit einer Atombombe verglichen. Und Morrissey wird nicht netter: Crossdressing, Kastraktion und der ungenannte Königinnenmord, der zwischen den Zeilen wabert, werden verhandelt. Und die letzte Zeile lautet: „Life is very long, when you’re lonely“.

Und das war das Zeichen, das The Smiths eben eine Band waren, die sich einer engen Kategorisierung entzogen. War ihre Musik besonders von Gitarrenbands der 1960er beeinflußt, dazu verfeinert durch Glam und Postpunk-Sounds (hier besonders der Paisley-Underground aus San Francisco), so verausgabte sich Morrissey in seinen Worten darin, Provokation, Introspektion und Qualität in einer Waage zu halten. Meistens gelang es.

Neben „The Queen Is Dead“ sind die seltsame Erotik von „Some Girls Are Bigger Than Others“, die Jammerode des Provokateurs in „Bigmouth Strikes Again“ zu nennen. Und dann ist da noch „There’s A Light That Never Goes Out“ zu nennen. Damit gelang der Band ein zeitloser Klassiker. Ein Liebeslied, wie es nie jemand anderes geschrieben hat: Die Fantasie des gemeinsamen Todes als Motor der Romantik. Diese massive Einsamkeit, die Dich in jedem Moment anspringt, der nasse Asphalt. Die Lichter der Nacht. Die letzten Bittbriefe an die Existenz. Wenn Morrissey in diesem Lied das Wort „Privilege“ erwähnt, dann ist das nur der Hauch eines Wunsches. Fuck, was für ein Treffer.

Und die Fehlwürfe. Nun, „Vicar In A Tutu“ balanciert mehr schlecht als recht zwischen dem Versuch der Kritik an fehlender Toleranz in kirchlichen Strukturen und reimgeschädigter Comedy über Crossdressing (schon wieder!?). Der musikalische Rückgriff auf Rockabilly hilft hier nicht.

Doch der wahre Fehler ist die Person auf dem Cover. Morrissey, der für die bildliche Gestaltung aller Smiths-Veröffentlichungen zuständig war, wählte hier ein Foto des französischen Schauspielers Alain Delon aus dem Film „Die Hölle von Algier“ aus. Das Cover genießt inzwischen einen ähnlich ikonischen Status, wie die LP als solches. Das ist falsch. Alain Delon ist ein Misogynist. Er konnte seine mafiösen Machenschaften nie wirklich aus der Welt schaffen. Brach mit seiner Mutter, weil sie seinen unehelichen Sohn in Pflege nahmen, von dem er nichts wissen wollte. Er hegt Sympathien für rechtsextreme Politiker. Er äußert sich feindlich zu Homosexualität. Was er über Transgender zu sagen hat, will ich da gar nicht wissen.

Pfui, Alain Delon auf dem Cover. Riesenpfui!

Neben diesem massiven Fehlgriff, muß der Band jedoch zugestanden werden, daß viele ihrer Arbeiten richtige und wichtige Anstöße lieferten. Zu „Meat Is Murder“ darf jeder eine individuelle Meinung haben, doch brachten gerade in Großbritannien die Smiths genau das Thema vegetarischer Ernährung so richtig auf den Tisch. Morrissey lieferte textlich mit einigen Songs, wie „Stretch Out And Wait“, „Ask“ oder „Sheila Take A Bow“ wesentliche neue Ausblicke auf typische Popthemen, wie Liebe und Sexualität. Auch Einsamkeit, Depression, Verzweiflung (Höhepunkt mag „Asleep“ sein) wurden thematisiert und halfen der Band eine Reputation aufzubauen, die kaum je mehr schwinden mag. Selbst zeitgenössische „Skandale“, wie der Vorwurf, das Stück „Suffer Little Children“ würde das Andenken der Opfer der sogenannten Moor Mörder, Ian Brady und Myra Hindley, besudeln, konnte von der Band abgewehrt werden. Was auch jede/r HörerIn bestätigen kann, so nicht voreingenommen. Es lag darüber hinaus auch nicht im Sinne von S.P. Morrissey, es jemandem leicht zu machen.

Diesen Weg verfolgte er auch nach dem Ende der Band.

Und auch wenn ihm in den weitestgehend guten Jahren bis 2004 etliche wertige, aufbauende Stücke gelangen, so fand er auch Fettnäpfchen. Oder in diesem Fall ein Fass. Die Rede ist von einem eigentlich leicht vernachlässigbaren LP-Stück mit dem Titel „Bengali In Platforms“. Ich gebe zu, dieses Stück aus dem Album „Viva Hate“ wirklich vernachlässigt zu haben, denn es ist musikalisch langweilig und ich habe die Message, die uns Steven Patrick mitgeben will, auch zunächst gar nicht realisiert. Um dies zu ändern, hat mir vieles geholfen, was ich in den vergangenen Jahren gerade über Plattformen, wie Twitter, lernen konnte. Und wie viel Unheil in diesem eigentlich lächerlich hingesauten Stück steckt, kann eins gerne unter dem Link https://genius.com/Morrissey-bengali-in-platforms-lyrics nachlesen. Dort findet eins den Kommentar des britischen Musikjournalisten David Stubbs, der zu jener Zeit der Veröffentlichung (1988) durch Heirat familiäre Kontakte zu Sikhs pflegte. Der Bruder seiner Ehefrau war glühender Smiths-Verehrer und hatte gar einen speziellen Tanzstil für Sikh-Hochzeitsfeiern entwickelt, der dem Stil Morrisseys nachempfunden war. Er sah den Sänger als wichtiges Sprachrohr für sich als gesellschaftlichen Aussenseiter. Und nun mußte er dieses „Lied“ als einen Hieb ins Gesicht ertragen. Nicht direkt feindselig gegenüber dem Fremden, dem „Bengali“, sondern einfach massiv herablassend. Was letztlich nicht weniger abwertend ist.

Hier eindeutig auf der falschen Seite gelandet, wurde Morrissey 1992 auch für sein Stück „National Front Disco“ sehr hart kritisiert. Doch muß ich ihn hier in Schutz nehmen, denn nun bewies der Mann, das er dem planen Schwarz-Weiß-Denken mit wenigen gut gesetzten Worten etwas wertiges entgegen setzen konnte. Im Narrativ begegnen wir dem jungen David, der sich rechtsextremem Gedankengut anschließt und der im Titel angesprochenen National Front Party anbändelt. Wir hören, daß sein Umfeld diesem Wandel sehr skeptisch gegenübersteht. Immer wieder heißt es „We’ve lost our boy“. Morrissey bleibt seinem Protagonisten gegenüber eher distanziert, läßt ihn vom Wandel, vom Umsturz träumen. Das die Titelpartei seit ihrem Hoch in den späten 1970er Jahren inzwischen eher eine politische Randerscheinung war, störte Morrissey nicht, als er ihr an dieser Stelle zu Ehren verhalf und störte auch die Kritiker nicht, die den Sänger genau ob diesem Punkt geißelten. Auch die Verwendung des Satzes „England für die Engen“ (England for the English) wurde ihm vorgeworfen. Was die Kritiker übersahen, war der Punkt, daß Morrissey beide Seiten dieses – im Falle des Songs – eher familiären Konflikts gleichmäßig porträtiert und die biedere, ausländerfeindliche National Front Party zur Disco degradierte. Ihnen entging, daß Morrissey hier die BNP (British National Party) mit ihrem Hass auf POC (People Of Color) in eine Veranstaltung mit hauptsächlicher Black Music umwandelte. Ja, okay, er machte es nicht immer leicht, aber diesen Punkt so einfach zu übersehen, war für die fixe Musikpresse des UK doch eher demütigend. Zu diesem Zeitpunkt hatte Morrissey auch eine andere Körperlichkeit entdeckt und umgab sich auch mit einer neuen, festen Band, die einen leichten Hauch von Fußballhooligans mitbrachten. Wer wollte, konnte immerhin dabei lernen, was hinter dem Begriff „Suedehead“ (auch der Titel seiner ersten Single) steckte. Es blieb dabei: Kontroverse, da machte ihm auch Jahre nach „Meat Is Murder“ keiner was vor.

Und das ist auch heute noch so. Doch ist der Unterschied gewaltig.

Die musikalischen Leistungen des Mannes sind inzwischen durchgängig auf dem Niveau seines ersten, großen Songfehltrittes, dem erwähnten „Bengali In Platform“: utter forgettable. Seinen letzten musikalischen Höhepunkt markierte das Album „You Are The Quarry“, das 2004 dem Fan (ich zählte mich damals dazu) die Tränen ob des Vintage-Sounds in die Augen trieb. Vintage bedeutete zwar, daß die Ideen nicht neu waren, doch war Energie und ein gewisses Maß an Wortwitz vorhanden. Mit einem US-feindlichen „America Is Not The World“ konnten viele Menschen in den Walker-Bush-Jahren auch etwas anfangen. Und das Morrissey die königliche Familie nicht leiden konnte, machte aus „Irish Blood, English Heart“ einen energetischen Widergänger, aber eben ein Widergänger. Und das Oliver Cromwell ein Widerling war, unterschreibe ich auch gerne.

Und während die musikalische Entwicklung eine Seite ist, ist die Geschmacklosigkeit, welche der Mensch in Interviews seit einigen Jahren von der Stange läßt, etwas eindeutig anderes. Etwas, das mir das Wort Niederträchtigkeit in den Sinn kommen läßt.

Das Morrissey auch heute noch jedwede Art an Fleischkonsum geißelt, ist aus seiner Geschichte verständlich. Das dabei auch die Schlachpraktiken nicht-christlicher Religionen von ihm heftig kritisiert werden, genau wie auch das Essen bei Kentucky Fried Chicken, ist quasi im Preis seiner Tiraden inbegriffen.

Diese Punkte sind beinhaltet in einem Interview, das auf http://www.morrisseycentral.com/messagesfrommorrissey/there-is-a-light-that-must-be-switched-on zu finden ist. Hier ist die Essenz eines AFD-haft gewordenen Denken abgebildet, das erschreckend ist, wenn eins bedenkt, welch großen Horizont dieser Mann einst bespielte. Oder hat er es früher eher versteckt? In einem gewissen Sinne ist hier der frühere Außenseiter, der von dort aus kraftvolle Botschaften für die anderen Außenseiter der Welt sendete, ein Heckenschütze geworden, der nur noch Feindbilder im Auge hat und diese auszulöschen sucht. Sein im Juli 2011 auf der Bühne geäußerter Vergleich des Breivik-Attentates mit den erwähnten Zubereitungspraktiken bei KFC oder dem goldenen M ist unerträglich. Provokation soll Denkprozesse anregen und dies hatte er längere Zeit erreicht. Diese Formen der sogenannten Meinungsäußerungen sind einfach nur noch Geschmacklosigkeiten, die ihm eine mediale Bühne besorgen sollen. Im oben verlinkten Interview wird auch oft das Wort „accused“ (beschuldigen) gegenüber dem gebeutelten Sänger verwendet. Jeder beschuldigt den Mann, der doch immer nur klare, unschuldige und wahre Worte findet.

Morrissey, I know it’s over. Arschloch.

Die Welt der Underground-Sampler in den 1980er – Teil 1

An dieser Stelle schreibe ich Gedanke zu Musik nieder. Mag es die Leserin ansprechen? Anstiften? Abschrecken? Es ist und bleibt rein subjektiv. Es sind Gedanken oder kleine Erzählungen. Keine Analysen der musikalischen Theorie, dazu fehlt mir das Wissen und vor allem die Lust, dieses Wissen zu erwerben.

Im Zeitalter des Postpunk zwischen 1976/1977 und 1985 erreichte die Arbeit an musikalischen Zusammenstellungen (sprich: Sampler/Compilations, oft auf Cassetten veröffentlicht) einen ästhetischen Höhepunkt. In den Folgejahren gab es noch einige Labels (sprich: Plattenfirmen), die das Niveau weiterhin hochhielten, doch leider verlief sich diese Kunst spätestens mit dem Zugriff von Printmagazinen auf beigelegten CD’s, die endgültig nur noch Marketing bedeuteten.

Selbstverständlich sind auch die hier vorgestellten Sampler genau das, doch eben nicht nur. Sie sind einerseits Vorstellung von Künstlern, die in den meisten Fällen unbekannt sind, andererseits haben sie einen Mehrwert, der jenseits des Monetären zu finden ist.

Ich versuche die Sampler in einer größtenteils chronologischen Reihenfolge ihres Erscheinens vorzustellen, doch wird es Querverbindungen geben, die den zeitlichen Ablauf sprengen.

Subterranean Modern (Ralph Records/1979)

Diese Zusammenstellung erscheint auf dem Label der Residents und vereinigt, neben den selbstverständlich mit vier Stücken vertretenen Hausherren, noch weitere drei Acts, die um 1978/1979 in San Francisco lebten. Das Artwork stammte von Gary Panter, der seinerzeit auch gerne von Frank Zappa angeheuert wurde (z.B. Studio Tan).

Musikalisch wurde mir hier klar, daß ich mich nicht weiter mit The Residents beschäftigen werde (außer jemensch bietet wirklich überzeugende Argumente). Alleine ihre Version des von jedem Act hier interpretierten Tony-Bennett-Klassiker „I Left My Heart In San Francisco“ ist gut, der Rest überzogen erfunden.

Tuxedomoon interpretieren „I Left My Heart…“ als kurzes Hörspiel eines Long-Distance-Telefonat mit Harmonika im Hintergrund. Eine derart tiefgreifende, aber trocken und amerikanische Melancholie haben Tuxedomoon nie wieder in ihrer langen Laufbahn erreicht. Das zweite großartige Stück der späteren Bürger aus Brüssel ist „Waterfront Seat“, das auch den gerne mal hypnotischen Minimalsound der späteren Werke vorweggreift. Peter Principle fällt mit seinem Trademark-Bass auf.

Chrome, die im Kern aus Helios Creed und Damon Edge (zwei definitive Ausserirdische) bestehen, verwöhnen teilweise mit ihrem Velvet-Underground-als-Außerirdische-Sound, was nur leider an dem allzu irdischen Schlagzeugsound krankt. Wenn das egal ist, hat eins enorme Freude an den beiden Originalen „Anti-Fade“ und „Meet You In The Subway“. Ihr „I Left My Heart…“ ist Residents-mäßig zu erfunden und auch nur 28 Sekunden kurz.

MX-80 klingen hingegen bei „I Left My Heart…“ als seien Pere Ubu gerade aus Cleveland umgezogen, was okay ist. „Lady In Pain“ schafft es diesen Schatten nicht ganz abzuwerfen, bleibt jedoch ein feines Stück, im Gegensatz zu „Possessed“, das immer noch recht zackig sein will, jedoch vor allem kraftlos daherkommt.

Club Foot (Subterranean Records/1981)

Dieser Sampler scheint direkt an die vorangegangene Veröffentlichung anzuschließen, da sich der hiesige Labelname und der dortige Sampler-Titel massiv gleichen… und gleichermassen sitzen Label und die Acts wieder alle in San Francisco. Doch das sind die einzigen Parallelen. Subterranean Records ist weitestgehend eher ein Treffpunkt der Punk und Hardcore-Szene aus San Francisco, doch ist die Musik auf diesem Sampler eher jazz-affin, sprich Jazz soll es werden.

Das klappt hervorragend überall, wo die trockene Stimme von David Swan erklingt: Longshoremen mit dem Opener „What Does It All Mean“ und der Abschluß des ansonsten eher mässig erregenden „Theme From Club Foot: Medley“ des Club Foot Orchestra, das sich aus Musikern, dieses Clubs in San Francisco zusammenstellte. Dem Titel nach sollte „Modern Jazz“ von Naked City hier auch anschliessen, doch erinnert es eher an den Versuch einer Postpunk-Band aus Manchester Jazz zu verkörpern: Was sich hier kritisch liest, ist jedoch musikalisch sehr geschmackvoll. Ein fantastischer Höhepunkt ist das im Hintergrund massiv Steve Reich belehnende „Frank Sinatra“ der Alterboys. Ganz anders, aber ähnlich eigen und stark anzuhören ist der weitere Alterboys Celebrity-Kracher „Roy Orbit’s Son“. Die Bay Of Pigs bieten mit „I’m Writing It Down“ und „Everything Changes“ auch zwei ganz gute Stücke, doch ich wünschte, es wären Instrumentale, denn Stimme Andrew Hayes will gerne als wirrer Querdenker erscheinen, nervt aber nur.

Auf dem Cover dieser Platte sehen wir übrigens Richard Edson, der u.a. der erste Schlagzeuger der Sonic Youth war. Er sah ziemlich gut aus.

From Brussels With Love (Les Disques Du Crépuscule/1980)

Da kommt ein richtiger Höhepunkt! Und wir werfen einen Blick auf die erste Version, die im November 1980 als Tape erschien. In den folgenden Jahren wurde „From Brussels With Love“ einige Male auf verschiedenen Formaten neu aufgelegt, dabei immer auch mit Änderungen an der Songliste.

Daher ist es wichtig zu schauen, ob die größten Erfolge auf dem Tonträger zu finden sind. Zentral waren jeweils zwei Interviews, die mit der großen Schauspielerin Jeanne Moreau (im Hintergrund ein Klavierstück aus der Feder von Erik Satie) und mit Brian Eno (auch Musik im Hintergrund: hier von Phill Niblock) geführt wurden. Beide Stücke sind so vorzüglich erarbeitet und als Kunststücke aufgestellt, daß sie (selbst bei Problemen der Verständlichkeit) sehr viel Spaß bei Zuhören machen.

Darüber hatte eins das große Gefühl von einem musikalischen Impressionismus überflutet zu werden. Was für größte Freude sorgt, wenn es sich dabei beispielsweise um The Durutti Column handelt, die „Piece For An Ideal“ zum Besten geben, während „Sleep Will Come“ nicht zuviel Freude verursacht. Oder das sehr atmosphärische „The Shadow Garden“ von Bill Nelson, der 1980 schon in seiner Post-Pop-Phase angelangt war und sich nicht mehr um Songstrukturen scherte. Diese waren perfekt in einer frühen Version von „Airwaves“ von Thomas Dolby angelegt. Ein Hit, ein Hit! Der sonderbare Factory-Zögling Kevin Hewick durfte seinen Vorschlag eines Popsongs darbieten und verbreitete mit „Haystack“ durchaus Freude. Doch ist er eher der tolle Performer, als das er ein besonderer Sänger sei. In der Bill-Nelson/Brian-Eno-Ambient-Liga ist auch Harold Budd ein gern gesehener Spieler und kaum jemand kann so fein Klavierspiel mit Hall versehen. Das könnte eins als Kritik ansehen, hihihi. Doch sehen wir es realistisch: Gegen ein Harold-Budd-Stück auf einem Sampler ist nichts zu sagen, das ist etwas Schönes, eine Atemübung des Weltenlaufs. Eine ganze Platte hingegen ist nahe an einer Zumutung. Auch sehr pianotropfend erscheint Gavin Bryars, doch in diesem Umfeld ist „White’s S.S.“ grandios aufgehoben. Doch auch kratzigen New-Wave/Post-Punk gibt es auf hohem Niveau: Radio Romance erinnern etwas an die lokal auch sehr erfolgreichen Polyphonic Size. Und The Names gewinnen jeden The-Cure-Soundalike-Contest nicht zuletzt aufgrund der verwechselbar ähnlichen Stimmen von Michel Sordinia und Robert Smith. Auch hier übrigens wieder die guten Verbindungen zu Factory Records, die auch zum Beitrag von Martin Hannett führten. Weniger impressionistisch oder verträumt, als die Herren Budd und Nelson, dafür kratziger und auch verspielter gibt sich „The Music Room“. Der Mann lieferte mit diesem Track auch wieder den Beweis, ein Enigma sein zu wollen. Und wir machen den Hacken dran: Geschafft.

The Fruit Of The Original Sin (Les Disques Du Crépuscule/1981)

1981 sandte Les Disques Du Crépuscule ein weiteres sonderbares Produkt sonderbarer Musik den Grüssen aus Brüssel hinterher.

Die Kenner jubeln über das erste Treffen mit der späteren Songwriterin Virginia Astley, die hier für Richard Jobson Klavier spielte, während er in „The Happiness of Lonely“ klingt, als sei er als englischer Landadelszögling gerade aus den Schützengräben des ersten Weltkriegs heil zurück gekehrt. Sonderbares Stück. Doch sonderbarer wird das Gesamtkonzept, denn es bringt uns HörerInnen im gleichen Atemzug die No-Waver von DNA, die gleich drei kurze Schreckensschreie aus den U-Bahnschächten New Yorks … anbieten? Gitarrist Arto Lindsay wurde später ein Schöngeist, hier liefert er wegweisende Gitarrenarbeit in „Cop Buys Donut“.

Haarsträubend ist auch Williams S. Burroughs Lesung „Twilight’s Last Gleaming“, in welcher im Zentrum eine Blinddarm-OP steht. Sollte eins definitiv nicht vor einem solchen Eingriff hören. Niemals! Aber andererseits, was gibt es besseres, als Burroughs‘ Stimme. Ihm werden wir bei einem späteren Sampler wiederbegegnen.

Auch der Saxophonist Peter Gordon, der den Titelsong dieses Tonträgers spielt, bereichert das überbordernde Klangspektrum mit einem zickigen Avantgarde-Jazz, der den Postpunk-Anzug trägt. Da kann uns die ein zweites Mal Klavier spielende Virginia Astley ein wenig Ruhe bringen. Sie taucht im Hintergrund eines Interviews mit Marguerite Duras auf. Wie schon auf „From Brussels With Love“ gehört auch hier das Gespräch zum Höhepunkt. Kratzig wird es derweil wieder, wenn eine Formation namens Marine den Francis-Lai-Filmmusik-Klassiker „A Man And A Woman“ interpretiert. Schon orginalgetreu, aber ohne jedwede romantische Regung. Die flutet „Clair de Lune“, gespielt von Cécile Bruynoghe. Claude Debussy war in den frühen 1980er Jahren wohl ein sehr beliebter Komponist. Wie Burroughs werden wir ihm noch begegnen.

Ein Sampler aus Brüssel: Wer darf da nicht fehlen? The Durutti Column. Von ihnen gab es irgendwann einen Song namens „For Belgian Friends“. Die beiden Stücke „The Eye And The Hand“, sowie „Experiment In Fifth“ sind für die Duruttis sehr solide, also brilliant. Und da ist dann auch wieder diese leicht verträumte Atmosphäre, die auch den Vorgänger so beflügelte und Arthur Russell vertieft, als hätte er seine Aufnahme in direkter Umgebung eines hochmotivierten Springbrunnens gemacht. Sonderbar! Und dann ist da noch eine frühe Aufnahme der schottischen Orange Juice, die ganz juvenil „Three Cheers For Our Side“ fordern. Jungs halt, deren Sänger Edwyn Collins war. Der nahm später mit dem Landsmann Paul Quinn den Velvet-Underground-Klassiker „Pale Blue Eyes“ auf. Paul Quinn sang 1981 noch für die French Impressionists und diese boten einerseits den törichsten Songtitel „Boo Boo’s Gone Mambo/My Guardian Angel“, andererseits war es betörende Musik, der eins gerne den Titelfehler verzieh. Schmacht! Und dann tauchten Marine noch einmal auf und musizierten, wie es ein Jahr später Haircut 100 taten und damit filthy rich wurden. Klang 1981 noch frisch, diese Uptempo-Rhythmus-Gitarren mit Slappbässen.

Winston Tong war für einige Jahre die Stimme von Tuxedomoon. Hier taucht er auf, um in einer Liga mit William S. Burroughs zu spielen, und siehe da: er geht nicht unter! „The Next Best Thing To Death“ ist verstörender als jener und damit ein ziemlich normales Winston Tong-Stück.

Some Of The Interesting Things You’ll See On A Long-Distance Flight (Les Disques Du Crépuscule/1982)

1982 bewiesen dann Les Disques Du Crépuscule, das auch ihnen nicht alles gelingt. Eine Konzertour, die man unter dem Titel „Dialogue North/South“ organisierte, brachte die Aufnahmen dieses Samplers.

Natürlich an Bord waren The Durutti Column, die hier auch live sehr stark zu überzeugen wußten. Allerdings gab es zwischendurch immer wieder die mit „A Raving Lunatic“ betitelten Versuche eines Wally Van Middendorp eine Kreuzung zwischen Ansager, Showmaster, Stand-Up-Comedian und einfachem Suffkopp darzustellen, die völlig ärgerlich sind. Und die 20-Sekunden-Auszüge eines Serge-Gainsbourg-Songs hätte man sich auch wahrlich sparen können.

Der auch bereits zuvor genannte Richard Jobson liess sich hier von Tuxedomoon begleiten und bietet ein gutes, romantisches Set, aus dem „Etiquette The Ballad“ und „Pavillion Pole“ herausstechen.

Darüberhinaus hören wir: Paul Haig & Rhythm Of Life, Antena und The Names (ja, die Cure-Soundalikes von eben). The Names konnten auf „From Brussels With Love“ mit ihrem Song „Cat“ überzeugen, aber hier (und das gilt für die beiden anderen Acts auch) gibt es Konzertaufnahmen und diese sind dünn, kraftlos, langweilig. Diese Acts in den 1980er live gesehen zu haben, scheint mir Geldverschwendung gewesen zu sein. Dieser Sampler konnte sich gerade noch durch die Duruttis und Richard Jobson retten.

A Factory Quartet (Factory Records/1980)

Factory hatten schon 1980 einen teilweise in Konzerten mitgeschnittenen Sampler zum Besten gegeben.

Teil des Ganzen waren natürlich – Tusch! – The Durutti Column. Kann es sein, daß ich eine gewisse Affinität, eine Liebe zu dieser Band habe? Fangirling? Hüstel. Also sage ich auch nicht, wie toll und fantastisch die drei Stücke sind. Ihr glaubt es mir eh nicht mehr. Meine Objektivität ist den Bach hinab.

Blurt, die Band von Ted Milton, Saxophon, sind generell ein Fall für die Connoisseuse mit ihrem wagemutig als schräg beschriebenen Sound. Wer „Dyslexia“ durchhält, der liebt die Band. Und es ist ganz einfach. Doch auch „Puppeteer“ ist ganz lustig.

Kevin Hewick haben wir weiter oben schon kennengelernt mit einem ganz netten Einstand. Wie ich dort schon schrieb, ist er kein großer Sänger. Hier sind Live-Aufnahmen. Wie kommt er auf ein paar nette Kommentare? Nun, die Songs taugen einfach, z.B. „The Enchanted Kiss“. Doch insgeheim wünschte ich, Scott Walker hätte ein paar Hewick-Songs interpretiert. Das hätte ein Fest werden können.

Und dann waren da noch The Royal Family And The Poor. Nein, Charlie oder Liz hatten nichts mit der Band zu tun. Ich vermute, beide mögen es nicht so aggressiv. Diese Band bot einen Sound, der aus meist maschinenhaft, aber menschlich produziertem Beat und hart vorgetragenem Sprechgesang (nein, hat nichts mit Rap zu tun, überhaupt nicht, ist total weiß) bestand, wobei die Texte zwischen linkem Polit-Agit und situationistischen Auszügen (tja, „Vaneigem Mix) bestanden. Das kann eins mögen, aber ich glaube, eine ganze LP würde ich nicht durchhalten.

Insane Music For Insane People Volume 1 (Insane Music/1981)

Hier kommen wir zu einer schlechten Idee. Also, die Idee, darüber zu schreiben, ist unvorsichtig, denn „Insane Music For Insane People“ ist eine Serie an 25 Tape-Veröffentlichungen, die zwischen 1981 und 1988 erschienen. Das Projekt war der Einfall von Alain Neffe, einem belgischen Musiker aus der Industrial-Szenerie. Dieser steckt auch hinter vielen „Bands“, die auf diesen Samplern vertreten waren.

Ich habe zur Zeit noch keinen Zugriff auf alle der 25 Veröffentlichungen, doch möchte ich mich grundsätzlich auf die besten drei konzentrieren. Das sind die Volumes #5, #6 und #1 in qualititativer Reihenfolge.

Volume #1, erschienen 1981, bringt schon mal meinen persönlichen Lieblingstitel, sprich der Titel des Songs ist das, was ich mag: „Manuel ist unehrlich“. Musikalisch ist dieses Stück von M.A.L. nicht weiter erwähnenswert, aber hinter dem Titel scheint ein großes menschliches Schicksal zu lauern. M.A.L. haben jedoch noch einen zweiten Auftritt, und der knallt! Als seien Pink Floyd in eine Zeitlupe geraten und zusätzlich noch ins Jahr 1969 (ca. LP „more“) geschleudert, so klingt „Insects In Love“. Grandios! Überhaupt ist die Musik nicht nur auf Volume #1so unglaublich körperlos und auf seltsame und seltene Art und Weise ätherisch, ohne New-Age-haft verkitscht zu sein. Es wundert nicht, daß an großen Namen gerade einmal die Legendary Pink Dots und die langjährige Swans-Keyboarderin und Sängerin Jarboe auf diesen Samplern vorbeischauten.

Auf dieser Cassette #1 sind die mehr als nur orientalisch fremdartigen Stücke „Pikah ô Papikah??“ Teil 1 und 2 von Japanese Genius Schlüssellochblicke in eine seltsame Welt, auch das live mitgeschnittene „TV News“ von Mecanique Vegetale ist ein wahrhaftiger Trip. Die über viele der Tapes verstreuten Stücke der Formation Cortex beginnen hier und sind sofort von kalkulierter Lieblichkeit. „Cortex A“ verbindet schwebende Keyboardflächen mit weiblichem Geflüster auf Französisch. „Cortex C“ bedient das gleiche Grundmuster, doch hier singt die weibliche Stimme. Der Cortex-Macher, Alain Neffe, engagierte zu jedem Stück eine neue Mitstreiterin. Mit dem windig sureellen „Dracustein’s Revenge“ von I Scream könnte fast „Insects In Love“ übertrumpft werden, wenn das Stück nicht in videospielartigen Echoeffekten enden würde.

Als Gesamtpaket ist Volume #1 ein überzeugender Trip in fremdartige Welten, der – wie geschrieben – das Leitbild für die Serie vorgibt.

Insane Music For Insane People Volume 5 (Insane Music/1984)

Mit Volume #5 (1984) erreicht die Serie schon den frühen Höhepunkt. Cortex zaubert mit „Cortex X“ eine romantische Atmosphäre, die von Enno Velthuys im dramatischen „Conclusion“ als klanglichem Finale eines 1980er Noir-Streifens, weitergeführt und korrekt ins Ziel einfährt. Vielleicht das langlebigste Stück dieser Serie. Wenn da nicht die auf diesem Tape vier Mal vertretenen und auf höchstem Niveau zaubernden Empty Wien wären: „Thomas Szabdz“ ist minimalistischer Elektropop, „Mitch“ ist ebenso bezaubernder Pop, doch hintergründiger und dann der Knaller „Leave It“, der ein ganz, ganz großer Hit hätte sein sollen, denn selten erleben wir einen solch sicher in sich ruhenden, elektronischen Sound mit dieser heiligen Absichtslosigkeit. Festlich.

Und auch M.A.L. sind wieder an Bord und drehen ihre Phaser weit auf, damit die Gitarre schön durch die Weiten des Alls driften kann. Der Titel „Pure Emotion“ ist allerdings vielleicht ein wenig übertrieben. Ein Fest für die Freunde valiumgeschwängerter Sequenzer ist Twilight Rituals „Fear For Loosing You“, welche hier die körperlose Atmosphäre mit gequältem Gesang und schneidenden Keyboardsounds anreichern und damit fast schon menschlich wirken. Gosh! Hinter Human Flesh lauert schon wieder Alain Neffe. Das verhindert nicht, das „Just Another Movie“ ein schöne, zickige Traumreise wird. Ein weiterer Titel „Conclusion“, dieses Mal von I Scream dargeboten, überfällt uns mit glitzernden Sounds, dem Dröhnen der tiefen Manuale einer Kirchenorgel und eins möchte meinen, da sei einfach nur Schönheit im Angebot.

Insane Music For Insane People Volume 6 (Insane Music – 1984)

Treiben wir weiter zu dem Tape mit der Nummer #6 (auch 1984). Natürlich regieren auch hier die sonderbaren, die erstaunlichen Lieder. Wie jenes von Eric Abithol und Valerie Desperiez, welche über die „Substance M“ nachgrübeln. Ein wenig sinnliches, aber höchst verwirrendes Stück Synth-Pop. Und Twilight Ritual kehren wieder, kredenzen uns „Tears On The Wall“, das uns mit einem ungleichen Dreieck aus Gleichmaß, Gezappel und gezogenem Gesang beglücken möchte. Jedenfalls beruhigender, als es Voidkampf ist, die eine Idee, die David Byrne und Brian Eno 1981 schon einmal umgesetzt hatten, hervorkramen: Eins nehme das Gerede eines Politakteurs und lege einen Beat darunter. Hier unter dem Titel „Politician Trying To Express His Opinion“ dargeboten. Sehr oft fällt das Wort „Very“. Tara Cross verbindet einen leicht ätherischen Gesang mit Heimorgelcharme, das ganze fein abgeschmeckt mit Spuren von Sprechgesang und fertig ist „Desperate“. Doch, das ist die Hörerin danach nicht. Eine endgültig von irdischen Sinnen losgelöste Meditation erwischt uns durch Maybe Mental und „Quiet“, welches mit hintergründigen Spracheinspielungen und entrückenden Sounds die Fesseln löst. Und das „Hotel Motorpool“, geführt von M.Soden, liegt tief im Wald, wo selbst nur selten der Wind weht, doch manchen Tages hört eins Stimmen. Spooky, sehr! Da wirkt „Tonight“ von den amerikanischen Algebra Suicide doch schon fast irdisch, normal, konkret strukturiert. Mit Text!

Doch sei noch erwähnt, daß auch die weiteren Tapes aus dieser Serie etliche Höhepunkte bieten. Seid neugierig!

Demnächst folgt ein weiterer Überblick über Sampler und Compilations aus den frühen 1980er.

Sonic Youth – Trilogy (Daydream Nation, 1988)

An dieser Stelle schreibe ich Gedanke zu Musik nieder. Mag es die Leserin ansprechen? Anstiften? Abschrecken? Es ist und bleibt rein subjektiv. Es sind Gedanken oder kleine Erzählungen. Keine Analysen der musikalischen Theorie, dazu fehlt mir das Wissen und vor allem die Lust, dieses Wissen zu erwerben.

1988 haben Sonic Youth ihr Doppelalbum „Daydream Nation“ veröffentlicht. Vielfach wird es als der Höhepunkt der Kunst der Band angesehen. Dazu kann eins stehen, wie eins will. Es ist Geschmackssache. Die Musik ist teilweise nicht mehr derart wild, wie auf den vorangegangenen Alben. Die Wucht eines Titels „Death Valley 69“ ist auch nicht so einfach zu reproduzieren. Außerdem, wozu? Sonic Youth sind in diesem Falle schon progressiv gewesen und haben selten Stücke geschrieben, die Kopien vorangeganer Stücke waren. Und so haben sie auf dem angesprochenen „Daydream Nation“ sich über die 10-Minuten-Grenze hinausgewagt. Ja, mit einem kleinen Trick: Es wurden drei Stücke zusammengefügt zu einer „Trilogie“, worauf sich auch der Titel des ganzen dann bezieht: „Trilogy“. Hihi.

Die einzelnen Stücke sind „The Wonder“, „Hyperstation“ und „Eliminator Jr.“. 14 Minuten Achterbahn.

Wenn nach dem Fingersliden über die elektrifizierten Gitarrensaiten die Bassdrum einsetzt, schießt das Adrenalin durch den Körper der Hörerin. Steve Shelley am Schlagzeug ist überhaupt der heimliche Held der Band. Er macht keine Scherze, er ist der Motor, der die Schrauben der Musik löst oder fest zurrt. Und in „The Wonder“ ist die Musik völlig loose, er muß erden. Von einem Looping zur nächsten 90° Abfahrt geht es in wenigen Sekunden, musikalischen Schnitten. Gehen Sie raus! Kopfhörer on oder in-ear. Lautstärke so hoch, daß Mitmenschen Sie entgeistert angaffen. Sie werden den Riss in der Realität erfahren, den die Musik Ihrem Leben antun wird. Als sei die Welt in einem Fotostudio von einem Positiv ins Negativ rückverwandelt. Alles ist so fremd, Synapsen sind falsch verdrahtet. Daydreaming Days in a Daydream Nation, heißt es dann in „Hyperstation“ und das ist eine nette Umschreibung für diese Verzerrung. Immer wieder stechen jetzt die Gitarren zu, wird an einem Rad gedreht, um Ihre Nerven weiter zu reizen. Sie wissen, wie Uma Thurman in Pulp Fiction nach dieser Spritze nach Luft schnappt? Na, wenn Sie dieses Bild vor sich sehen, sitzen Sie in der Bahn, die gerade die „Hyperstation“ verläßt. Und die Gitarrenschreie sind Medusenköpfen gleich. Wenn es nicht gerade gen Ende des zweiten Drittelstücks zu einem leichten Ausatmen kommt und selbst Steve Shelley nur noch den Shaker bedient. Kim Gordon läßt den Bass im Hintergrund dröhnen. Vielleicht schlägt sie ihn nur von hinten, um die Saiten noch in der Vibration zu halten. Und dann ist da die Minute 11:27.

Gerade war es noch ruhig, war ein Gleichmaß nach all diesem Wüten eingetreten. Jetzt: Die Gitarren, Kims Aufstöhnen, das ganze Drumkit und wieder dieser dröhnende Bass. Diese halbe Minute ist vielleicht das beste Vorspiel (nicht sexuell), das je in Musik gegossen wurde. Denn dann rutscht der Fuß auf der spiegelglatten Eisfläche aus und ab geht die wilde Fahrt. Und finster wird es! Finster! Finster! Finster! Es geht nur noch ums Überleben und nein, es wird nichts damit. Das an anderen Stellen des Internet Menschen Kim Gordons stimmliche Performance als „sexy“/“erotisch“ bezeichnen, kann nur damit entschuldigt sein, daß jene Menschen sich nicht um den Hintergrund des Textes von „Eliminator jr.“ kümmerten.

Kim Gordon nahm die Rolle von Jennifer Levin ein, das Opfer des sogenannten „Preppy Killer“, ein R. Chambers, wurde. Dieser Fall hatte New York am 26. August 1986 erschüttert. Die Aufarbeitung gerade durch die Medien, die schon damals auch ein gerne den „hoffnungsvollen, jungen Mann“ hofierten, während das Opfer nur das böse Flittchen ist, war grenzwertig. Die Verteidigung baute unter anderem darauf auf, die tote Jennifer Levin als Nymphomanin, die ein Sex-Tagebuch führte, darzustellen. Chambers wollte auch den Tod durch Erwürgen herbeigeführt haben, als er das Opfer während des „rough sex“ von sich habe stoßen wollen. Nun, ein 100-kg-Typ ist einem vermutlich etwas mehr als halb so schweren Mädchen körperlich völlig unterlegen (Zynismus wieder aus). Immerhin saß R. Chambers seine kompletten fünfzehn Jahre ab, und ist inzwischen wieder inhaftiert (Drogendelikte).

Mit diesem Hintergrundwissen gewinnt die Zeile „take a walk in the park“ eine neue Bedeutung, denn dort geschah der Mord. Wie auch „a poor rich boy coming right through me“.

Der Mond steht strahlend am Himmel in all seiner Herrlichkeit. Am Boden liegen zwei Körper. Die Band führt den Song mit Krawall und kratzigem Bass fort. Die Gitarren heulen noch zweimal auf, wie dramatisches Aufbäumen, dann wird der Druck zu stark. Das Lied ist zu Ende.

Nehmen Sie bitte die Hörer von/aus den Ohren. Sie leben. Das ist gut, oder?

„Young kids playing rock music, should be ashamed of themselves for not doing something really new.“

„Young kids playing rock music, should be ashamed of themselves for not doing something really new.“

Wenn ich diese Aussage lese. dann stimme ich ein wenig zu. Der Mensch, welcher dieses sagte, will wohl auch einfach etwas zuspitzen und vielleicht sogar Widerspruch auslösen. Was auch immer. Ich frage mich natürlich, ob Rockmusik im Jahr 2016 wirklich noch wichtig ist. War sie jemals wichtig? Ja. Auf jeden Fall. Doch die beste Musik, die ich selber über die Jahre in meinem Herzen sammelte, war Musik, die vielleicht Rock oder auch komplett anderes war, aber Musik, die berührte. Insofern kann die Rockmusik ab der Gegenwart ruhig verschwinden, in Bezug auf die erwähnten „young kids“. Und die Alten, die noch zum Instrument greifen? Okay, seien wir ehrlich. Weltbewegendes hat es in der Rockmusik tatsächlich seit Jahren nicht mehr gegeben. Und eine neue Punk-, Metal-, Indierockband braucht auch kein Mensch. Explosive Musik mit Gitarren, Bass, Schlagzeug machten zuletzt höchstens noch die Swans, die das Vokabular der Musik jedoch auch mächtig erweiterten, da sie Atmosphäre und Aura der Musik belebten und ihnen die Länge eines Musikstückes völlig egal wurde, so das die Fugen auseinanderbrachen. Und da die Swans ihre Musik hauptsächlich über die neue Schiene des Fundraising finanzierten, war die Musikindustrie nur noch als teilweiser Verteiler gefragt. Und die Industrie braucht den Rockmusiker noch, und dabei auch gerne mal jung und unverbraucht, damit auch das junge Publikum noch bedient werden kann. Es mag 14-jährige Jungs und Mädels geben, die einen Michael Gira als Idol sehen können, aber viele werden es nicht sein, welche die Geduld aufbringen, sich mit derart sperriger Musik auseinanderzusetzen. Wenn also alt, dann Acts, die auch bei sommerlichen Festivals noch die Massen bewegen können. Und das ist keine Rockmusik mehr, sondern Show. Entertainment. ZDF-Fernsehgarten für Hippies und solche, die das nie zugeben würden, denn ihre Tattoos passen nicht dazu, denn sie sind HARTE, ganz HARTE Jungs und Mädels.

„young kids should stop flogging dead horses.“

Noch ein Zitatteil, das in sofern interessant ist, da es auf einen Plattentitel der Sex Pistols verweist. Der Kenner weiss, das diese Platte erst nach dem Ende der Band veröffentlicht wurde und auch nur Unveröffentlichtes und Ausschuß zusammenraffte, womit dem Titel „flogging a dead horse“ auch schön Genüge getan wurde. Und da setze ich doch mal an: Was wäre jetzt so schrecklich an einer Band aus 19- bis 25-jährigen Menschen, die den Ball der Sex-Pistols-Nachfolgeband P(ublic) I(mage) L(imited) aufnähmen und einen Sound wie jene auf „metal box“ brächten? Oh, das wäre himmlisch! Wird es eine solche Band geben? Nein. Es könnte sie geben, denn sicherlich wird dem ein oder anderen jungen Menschen irgendwann dieser Sound auf dem Lebensweg begegnen. Und von diesen jungen Menschen wird vielleicht jeder zehnte auch so tief beeindruckt sein, das er/sie sich denkt: „Das will ich auch mal machen.“ Denn der zwischen Krautrock und Dub angesiedelte klinische Antirock-Sound mit schneidenden Gitarren, angewidertem Mundwerk ist sicherlich noch nicht totgespielt, kein verendetes Pferd vom Anger. Dennoch wissen die meisten Menschen, die es jemals mit der Musik versuchten, das der eigene Sound auch sehr stark von der direkten Umwelt geprägt wird, was auch für die Musik von PIL galt, denn diese hörten Can und Reggae am Gunter Grove. Das nur mal als Anstoß. Neue unrockende, aber laute Wege sind möglich, auch noch nach 2016.

Warum trotzdem immer noch junge Menschen es mit diesem Klangbild versuchen? Außer, das es einfacher ist, als z.B. sich im Jazz zu versuchen? Die Rockmusik ist inzwischen gesellschaflich so integriert, daß der Tod eines Rockmusikers in der Jetztzeit mehr Tränen hervorrufen kann, als der Tod eines anderen prominenten Menschen. Sollten tatsächlich irgendwann Mitglieder der Rolling Stones sterben, werden wir es wieder messen können. Ein weiterer Grund ist der wirtschaftliche Aspekt, denn würden die Kids tatsächlich diesem Stil entsagen und völlig neue musikalische Klangwelten entwickeln, würde dies die Musikindustrie vor ein unglaubliches Problem stellen, denn damit brächen sicherlich auch Kundenpotenzen weg, die vielleicht das neue RedHotChilliPeppers-Album einfach ignorierten und bei deren Auftritt während einem Sommer-OpenAir einfach das Gelände verliessen, denn: „Rock? Pfff!“ Undenkbar? Naja. Ganz undenkbar sicherlich nicht, doch um wirklich den jungen Rock zu schleifen, bräuchte es auch ein Umdenken in anderen Aspekten des täglichen Lebens.

„young kids should definitely search for the interacting with others in making music, but not by evoking old clichés.“

Da findet sich dann auch der Ansatz, daß ein wesentlicher Punkt des Bandmusizierens wichtig ist: Das Miteinander. Und es ist kein Miteinander, das von einem unbestimmten Außen gefordert wird, denn oft ist der Funke, der eine Band begründet, die gemeinsame Sympathie. Oder? Für mich als Hörer wäre eher wichtig, das sich junge Menschen dem Aspekt stellen, das ihre Musik berührt. Und wie einst der weise Robert Fripp wußte: „In der Rockmusik kann es dir passieren, das du gefickt wirst.“ Was sich vielleicht abschreckend anhören kann, ist jedoch eine einfache Einladung dazu, offen zu sein für die Schwingungen der Musik. Und wer sich dazu hingibt, macht keine Musik mehr, die sich nur wie eine Klonung bestehender Sounds anhören wird.

Q-Tips #3 – on a sunday morning

Der neueste Mix aus der Q-Tips-Reihe – erstellt, um Ohren zu reinigen – huldigt einmal großflächig den Taten der Altvorderen. Doch zaget nicht, ihr Jüngsten, auch die moderne Musik wird einziehen, in dieser Reihe. Ich verwende keine Energie auf Grenzziehung und -erhalt.

Dieser Mix ist dem desperat sonnigen Sonntag Vormittag gewidmet. Und sollten Sie keinem depressiven Schub erliegen, könnte er auch eine Wirkung erzielen. Ich wünsche Glück hierfür.

Und so startet dieser Mix, nach dem inzwischen in den Ohren verankerten Laika-Intro, mit den ersten sechs Minuten des schönsten Radiohead-Stücks aller Zeiten. Kurioserweise nannten sie sich damals noch Pink Floyd und die Platte hieß „Meddle“. Waren die Radioköpfe eigentlich 1971 schon geboren? Sei’s drum, „Echoes“ ist ein Monument der leichten Köstlichkeit. Progressiv, aber noch lange, lange nicht exaltiert in Kopflastigkeit. Der richtige Dosenöffner für einen hinreißenden Tag.

Was „Echoes“ noch möglicherweise an Funk fehlt, da sich die Floyds gerne eher in die Wolken spielten, bringen Can, bei denen Drummer Jaki Liebezeit gerne mal einen dreckigen Beat spielte. Hier bleiben wir im Jahr 1971 und lauschen einem Auszug aus dem glorreichen „Halleluwah“ aus der sensationellen „Tago Mago“. Wenn der Sonntag mit dem Kitzeln der Floyds beginnt, so sind Can die feinen Wasserstrahlen der Dusche, im Laufe des Stückes mit Massagewirkung auf der Kopfhaut.

Es liegt nicht an der Musik, daß der folgende Song etwas ungelenk durch die Türe stakst, denn der Franzose an sich gilt ja gerne als elegant. And french he is, indeed. Jean-Jacques Perrey. Mit dem Stück „E.V.A.“, diesmal ausgesuchtes 1970er Material. Ein weiches Frotteehandtuch, das sich freundlich um den Körper des Hörers legt.

Und – schwupps – sitzet frau beschwingt am Küchentisch und nippt am Orangensaft. Am frisch „gerippten“ Orangensaft. Passenderweise hören wir den jungen Edwyn Collins mit seiner ersten Hitband, welche – huch – Orange Juice hieß. 1982 veröffentlichten sie das unglaublich begeisternd wippende „rip it up“.

Möchten wir nun noch ein modernes Küchengerät starten, so brauchen wir unbedingt „electricity“, flugs geliefert von den hereinschneienden Orchestral Manoeuvres in the Dark, kurz OMD, aus derem zweiten Album. Ja, das ist doch schon richtiger Punk, oder? Kraftwerk mit Verve nachmachen, und von jenen einen Songtitel von 1971 (schon wieder…) borgen, und das ganze 1980 total unquantisiert einherrocken, ohne Gitarre. Punk!

Jetzt mal schön zurücklegen mit dem Bill Evans Trio. Ach nein, die Platte heißt ja „Sunday at the Village Vanguard“. Überraschung! Und „my man’s gone now“ sollte für die Hörerin/den Hörer bitte nicht passen. Ansonsten schreiben Sie mir, ich bin ein guter Leser. Und vielleicht kann Bill Evans Sie ein wenig ablenken. Und wenn nicht, wird…

…Richard Strange, auch bekannt als Kid Strange von den Doctors of Madness, Sie mit seiner negativen Weltsicht anheimeln. „Kiss goodbye tomorrow“ nahm er 1980 neu auf, das Original stammt noch von seiner alten Band, den Doctors (LP „sons of survival“, 1978). Nice! Diese akustischen Gitarren, die so gerne rocken wollen.

So sitzt der Sonntag vormittag in einem Café, und wir senden dem Rest der Welt ein unsicheres Lächeln. Und wer konnte solche zwielichtigen Gefühlszustände besser vertonen, als der junge Matt Johnson, der sich gerne als der Der bezeichnete. (???) Ja, dummer Scherz, die Band nannte er The The. 1983 kam das erste richtige Bandalbum, welches „soul mining“ hieß, und dort fand sich dieses Kleinod „uncertain smile“, das neben Matt Johnson einen weiteren Star aufbot. Der hieß Jools Holland, und Sie dürfen nun raten, welches Instrument er spielte und damit gar nicht aufhören wollte…

Dieses Instrument findet sich definitiv nicht im folgenden Song. Dafür Krawall und Rückkopplung, ach! Wie ein sonntag morgendlicher Sonnenstrahl, auch dieser harmonische Gesang. Sie meinen den Song zu erkennen, aber nicht so? Nun, es war auch ein Welthit, dieses Mal jedoch von 1972. Und auch Neil Young selbst hätte es zu anderen Zeiten geschafft „heart of gold“ so klingen zu lassen. Hat er aber nicht, so blieb es den Nozems vorbehalten 1992 den Song unter Strom zu setzen. Und wenn der Song in einer rocktypischen Feedbackorgie endet, schält sich langsam….

…wieder der beste Radiohead-Song aller Zeiten aus dem Nebel und wir werden belohnt für all die Zeit des Harrens mit den letzten sieben Minuten von „Echoes“. Hach. Da schwingt ein kleines Maß an sonntäglichem Fernweh mit.

that’s it, Folks!

15.05.2016 – Was war das nochmal mit „OK Computer“?

Vor vielen, vielen Jahren schrieb ich bereits ein handvoll Zeilen (hier der Link für starke Nerven… Ihr müßt ein bisserl runterscrollen) über diese sogenannte beste Platte aller Zeiten hier: RateYourMusic, Stand 15.05.2016

Damals nannte ich das Album „die Arno-Schmitt-Platte 1997“. Stehe ich auch heute noch zu. Die größte Frage, die ich damit wohl aufwerfe ist: „Wer oder was ist Arno Schmitt?“ Eure Schuld, wenn ihr es nicht wißt! Bildet Euch, bei Zeus!

Wer sich einmal Zeit seines Lebens mit entweder „Schwarze Spiegel“ oder „Abend mit Goldrand“ auseinandergesetzt hat, oder mit einem der anderen literarischen Höhepunkte des Herrn Schmitt, der weiß, der Mann hatte eine ziemlich unverdeckte Wut, meist auf seine direkte Gegenwart. In „Schwarze Spiegel“ begegnet der Leser einem Protagonisten, der alleine durch ein kriegsatomar verwüstetes Norddeutschland wandert. Er trifft irgendwann auf eine ebenfalls überlebende Frau. Dieses Aufeinandertreffen ist nebensächlich, die beiden gehen bald wieder ihre eigenen Wege. Die Kunst Schmitts in dieser Erzählung liegt daran, das totale, überwältigende Fehlen von jeglicher Handlung durch seine Sprachgewalt vom Tisch zu fegen, mit welcher er das in Worte webt, was sein Protagonist sieht, und was das Gesehene an Geschichte zeigt. Kaum eine andere Erzählung ist tieferer Menschenhass, der zweifelsohne noch durch die Zeitgeschichte Deutschlands von 1933 bis 1945, und die Ausläufer eines teilweise widerwärtigen, konservativen Denken bis weit in die 1950er geprägt ist.

Was hat dies mit Radiohead zu tun? Nun, es hilft nichts, daß bezüglich ihres Albums „ok computer“ gerne von der Musik geredet/geschrieben wird. Ahnungsloses Gestocher. Damals schrieb der deutsche Rolling Stone davon, daß diese Platte das „dark side of the moon“ der 1990 sei. Vielleicht. Die Wirkung eines Stückes, wie „us and them“ ist durchaus generationsübergreifend, und damit die Deutung des Rolling Stone widerlegt. Und so wird auch „lucky“ noch in jahrzehnten empathische Menschen ergreifen. Und es wird natürlich an der hochgetürmten Musik liegen, an den mellotronartigen Keyboardsounds, doch ich erzähle Euch Lesern nun genau, woher die kalte Hand kommt, die Euch ans Herz greift, und es nicht Schlagzeug, Bass, Gitarre, Tasten… nein, auch nicht der Gesang an sich. Klar, daß das Zusammenspiel dieser Elemente den Song trägt, doch es ist dieser kleine Moment, bevor Thom Yorke sich in den ersten Refrain geschwungen hat, zum ersten Mal die Worte „pull me out of the aircrash“ gesungen hat… da kommt dieser Moment, in welchem er etwas tiefer Luft holt, leicht nasal, und „pull me out of the lake“ hinterherruft (1:16). Und wenn Ihr ehrlich seit, so besitzt auch dieses Stück einen gefühlten Untertitel, der „Schwarze Spiegel“ heißt (ohne den Arno-Schmitt-Plot), alleine durch die Undurchdringlichkeit, die Radiohead hier in der Reflexion dieses Stückes dem Hörer anbieten. Hier gibt es keine Gefühle, die wir mitnehmen in unser Leben, weil da jemand ein Lied schreibt, daß uns in unserer Existenz weiterhilft. Oder das uns irgendwie bestätigt. Selbst „exit music (for a film)“, das letztlich von einer Romanze zu erzählen scheint und auch mit der damaligen Verfilmung von „Romeo and Juliet“ in Verbindung stand, ist ein schwarzer Monolith, welcher uns Rezipienten genauso harsch und ohne Erklärung vor die Tür setzt, wie das die Monolithen in „2001 – Odyssee im Weltall“ mit den armen Forschern taten. Radiohead senden uns nicht zum Jupiter, nein, sie sagen: „Geht kotzen und erstickt“. Das ist Punk, oder? Hätte ein etwas besser reflektierender John „Sid V.“ Richie auch gesagt und dementsprechend musiziert. Aber Radiohead sind keine Prolo-Punks mit zuviel Substanz in den Adern, sondern im Hirn. Und vermutlich auch zuviele Tritte ins Gesicht zur Schulzeit, wenn wir uns die Visagen der Herren so ansehen. Der Fuzzbass am Ende von „exit music“ ist wohl einer der verwegensten seit John Cale in „white light/white heat“ der Zunft der Viersaiter seine Definition eines irren Basslaufes aus der Hüfte entgegenschoß. Der Mann spielte ja lieber auch andere Instrumente.

Was preisen wir dann auch „no surprises“? Eine Aufforderung zum Amoklauf, vielleicht, mit unbedingter Selbsttötung am Ende? Ein Lied, das wie ein Kinderlied klingt. Einfach, harmonisch einwandfrei, und doch definitiv tötlich. Wird der Hörer hineingelassen? Will er da rein? Am schlimmsten ist, daß heute, neunzehn Jahre später, dieses Stück keine Sekunde langweilt, trotz oftmaligen Hörens. Was auch für die anderen Couplets gilt. Okay, „fitter happier“ ist vielleicht doch etwas plan gedacht und ausgedrückt, doch ist es ein klarer Teil des Konzepts, dem Radiohead hier folgen. Also doch, „dark side of the moon“? Nein, denn Pink Floyd waren auf ihre Art und Weise gesellschaftskritisch, und hatten vor Finger in Wunden zu legen, und genau dem verweigern sich Radiohead. Sie müßten eine Gesellschaft anerkennen, die sie kritisieren würden. Und genau hier ist der Unterschied. Radiohead tauchen in „karma police“ auf der Partie der jungen Frau mit der Hilterfrisur auf und sorgen für Unruhe. So ist auch der Sinn dieser ganzen Platte. „OK Computer“ ist nicht nur ein Party- sondern ein Lifecrasher. Ein vertonter Amoklauf, dessen Ziel nicht die Leben, sondern die Sicherheit dessen ist, was die Hörer bis zu dem Zeitpunkt seines Lebens als Realität ansehen mochte.

Ich verstehe von daher den andauernden Erfolg der Platte nicht. Da bin ich ehrlich. Ich vermutete bis dato, daß es auf diesem Planeten so viele ihrer selbst sicheren Menschen gäbe, die irgendwann sagte: „Liebe Radioheads, jetz‘ is‘ mal gut, nich‘.“ Oder sind da vielleicht zu viele Erinnerungen an z.B. Collegesex zu „the tourist“? Ich empfehle lieber „kind of blue“, bessere Tempogestaltung über die volle Länge der LP. Oder ist da doch vielleicht eine größere Menge an Menschen, die sich gerne der subtilen Beleidungsorgie anschließen, die sich in diesen Tönen versteckt? Oder zuviele, die auch „chickens“ in ihren Köpfen gackern hören? Die sich entsprechend als paranoide Androiden sehen? Nicht von der Hand zu weisen, einer schreibt hier gerade 😉

In jedem Falle gelang dieser Band hier der gerade Weg von „thought to expression“, für den es laut Lou Reed „a lifetime“ braucht. „Pablo Honey“ ist langweilig und schlecht geklaut (bis auf den einen Hit). „The Bends“ ist in den lauten Songs grausig, die Balladen weisen schon einen Weg. „Kid A“ hat einige gute Verbeugungen vor dem Vorgänger, der Rest ist zu bemüht, andere Geschichten zu erzählen. „Amnesiac“ hinterläßt an manchen Stellen weniger Kopfkratzen, als Wutschreie, ob der miesen Songqualitäten. „Hail to the Thief“ ist noch ein Versuch, der ein Versuch bleibt. Keine Ahnung, was danach kam. Meine Geduld war zu Ende, und eines wußte ich: „OK Computer“ gibt es schon.

Es gibt bessere Platten, aus meiner Sicht. Eine wäre „Metal Box“ von P.I.L., die eine noch härtere Art des Weltekels bietet. Und ebenfalls von Bassläufen lebt.

Aber sind wir doch froh, das es diese Künstler gibt. Thom Yorke und seine Jungs. John Lydon, Keith Levene, Jah Wobble und der ein oder andere Drummer.